Un álbum conceptual es un álbum unificado por un tema común que puede ser básicamente de 4 tipos: instrumental, narrativo, compositivo y letrístico o el resultado de las distintas combinaciones y mezclas de cada uno de estos 4 tipos cuando actúan como complementos entre ellos para reforzar la idea planteada en el álbum.
En ese sentido, está claro que juega un papel determinante el lenguaje; ya sea a través de la música, la palabra o ambas cosas, que tiene que ser suficientemente entendedor y estar expresado de manera óptima para que el receptor entienda la idea general, la historia o al menos reconozca que se trata de un trabajo de esas caracerísticas.
Los álbumes conceptuales son planificados, concebidos con todas sus canciones contribuyendo a un único tema en general o a una historia, siendo esta historia o plan el concepto. Esta es la diferencia con cualquier álbum normal de una banda o un artista, compuesto por varias canciones sin conexión entre sí, escritas por la banda/artista o siendo versiones de otros artistas/bandas. A veces se considera como un álbum conceptual a un disco con un clima o "humor-color" en general, haciendo que una definición precisa del término se haga muy problemática en según que situaciones. Una vez aclarado este punto, pasemos a la acción recordando algunos de los discos conceptuales más conocidos que han surgido dentro de un género musical tan potencialmente rico como puede llegar a ser el heavy metal en todas sus variantes.
Kiss - Music From "The Elder"
En el año 1981 el grupo Kiss editó este trabajo con la idea de hacer un film. El disco claramente conceptual narra la historia mitológica de un joven que es entrenado para convertirse en una especie de héroe. Este álbum producido por Bob Ezrin ("Welcome To My Nightmare" de Alice Cooper y "The Wall" de Pink Floyd), quien ya había producido el exitoso "Destroyer" en el año 1976, no fue bien recibido por la ya enorme legión de fans del grupo, que ya se habían mostrado bastante disconformes con la dirección que Kiss había tomado en los dos discos previos a éste, "Dynasty" y "Unmasked" , que eran más comerciales e incluían elementos más pop y disco de lo que era habitual en el sonido rockero de la banda.
A pesar de todo y en términos estrictamente musicales es un buen álbum, con arreglos orquestales y corales, más unas cuantas guitarras acústicas, pianos y teclados. Hay que destacar la participación de Michael Kamen ("S&M" de Metallica y "The Final Cut" de Pink Floyd) y del ex-Velvet Underground Lou Reed. Pero el mal momento que vivía el grupo a nivel comercial, la cercanía del disco en términos musicales al rock progresivo (que estaba borrado del mapa) y los problemas internos del grupo conspiraron para su eventual fracaso. El álbum, uno de los menos vendidos de Kiss, es considerado la "Oveja negra" en la discografía de la banda. curiosamente no hay ni una foto de la banda en el disco que estrenaba al fallecido Eric Carr en la batería.
Queensrÿche – Operation Mindcrime
Es un álbum conceptual basado en un hombre desilusionado con la sociedad norteamericana que se une a una conspiración para asesinar a sus líderes corruptos. El disco presenta partes habladas y diálogos que unen las canciones entre sí y que van revelando la historia del hombre poco a poco. Está considerado como uno de los primeros y mejores álbumes del metal progresivo, que pavimentó el camino a bandas como Dream Theater. Nikki, el protagonista, se encuentra en una cama de un hospital intentando recordar como empezó todo hasta llegar a su estado actual. Allí recuerda que es un adicto a la heroína, miembro de un grupo revolucionario el cual tenía como fin cambiar la sociedad norteamericana; su líder, el Dr X, lo manipula mentalmente mediante su adicción a las drogas para convertirlo en un asesino. También recuerda que mantenía una relación amorosa con Mary, una prostituta reformada y convertida en monja, la cual empieza a convertirse en una amenaza para Dr X. Este, ordena a Nikki que asesine a Mary y al padre William. Tras matar al padre William, Nikki no es capaz de matar a Mary y decide enfrentarse al Dr X, lo que provoca que éste escape, Mary aparezca muerta y Nikki sea inculpado por todos los crímenes. Hace un par de años salió la segunda parte del disco y el líder del grupo Geoff Tate tiene pensado llevar al cine la historia de las dos partes.
Marillion - Misplaced Childhood
Vale, no son un grupo estrictamente heavy que digamos, pero recordemos que llegaron a tocar en el que puede ser considerado el festival heavy por antonomasia; me refiero al "Monsters Of Rock" en su edición del año 1985 que se celebró en Donington. Además, sobretodo cuando el vocalista Fish estaba en la banda, Marillion musicalmente se acercaban sin miedo en determinados temas o pasajes de guitarra/teclados al hard rock y al AOR. Cuando Marillion publicaron este álbum era una banda más dentro del neoprogresivo que trataba de continuar la estela marcada por las míticas bandas de los 70 como Yes o Génesis. Sus dos álbumes anteriores les habían aportado poco más que un grupo minoritario de seguidores. Después de "Misplaced childhood" todo sería distinto. El disco era una oda a aquello que tantas canciones, libros y películas ha inspirado: el paso del tiempo y la nostalgia de ver pasar la juventud. La portada de Mark Wilkinson cargada de símbolos (el niño descalzo, la urraca, el arco-iris, la flor) servía de digna introducción a la cuidada historia en la que el gigantón Fish se volvía más sensible que nunca y nos paseaba por su infancia. Enlazando todos los temas del disco a modo de obra conceptual se mezclan recuerdos del pasado, la amargura de mirar atrás y darse cuenta de las cosas se van quedando atrás.
Independientemente de la subjetiva calidad que llena el álbum de principio a fin, el disco encontrará a sus defensores más acérrimos en aquellos capaces de empatizar con las letras de Fish. Para unos un don y para otros un castigo, lo cierto es que los textos del líder de la banda por aquella época se convirtieron en una de las banderas del grupo. Las futuras generaciones le acusarían de ahogar la música y no dejar huecos para el resto de la banda en las canciones, los nostálgicos le alzarían a los altares por este álbum. Pero no estamos hablando de un simple libro de poesías, la magia del álbum surge de una gran historia unida al potencial musical de una banda que ya empezaba a demostrar la calidad que tenían. Hay quien dice que una canción es buena si es intemporal, y ironías de la vida un disco que habla del paso del tiempo ha conseguido dejar a través de los años un sello de intemporalidad (si no ves una foto del grupo, eso sí). Otro elemento digno de alabanza del álbum y requisito indispensable para todo álbum conceptual (y más aún dentro del entorno progresivo) que se precie es la facilidad con la que parecen encajar las canciones y crear un ‘todo’ coherente donde cada pieza se acopla perfectamente a las demás.
Quizás ‘Kayleigh’ sea el único tema con más estructura de canción que sobresale sobre el resto (de hecho fue el single que se eligió para promocionar el álbum), las demás son cortes de poca duración, muchas veces sin estribillo identificable que se enlazan una tras otra para dar forma al álbum. ‘Misplaced Chilhood’ llevó a Marillion a la cima y les echó a las espaldas una legión enorme de seguidores del neoprogresivo. Todo maravilloso hasta que pocos años después Fish abandonaba el grupo y un Steve Hogarth pegaba un giro en seco al estilo del grupo dejando atrás las, para algunos, sagradas líneas que el álbum había marcado. El fantasma de Fish y su peso sobre el grupo sería proporcional al enorme éxito que supuso esta obra maestra para Marillion. "Misplaced Childhood" se erigió pues como el primer álbum conceptual de la banda, y trata sobre el amor, el éxito repentino, las relaciones amorosas y la infancia perdida. Lo más divertido de todo es que Fish reconoció que había concebido el disco bajo los efectos del LSD y se nota a lo largo de todo el disco. Varias de las canciones contienen referencias autobiográficas de Fish, como “Kayleigh” que habla sobre una antigua novia del vocalista, o “Heart of Lothian” que hace alusión a la religión tradicional de Escocia (donde nació Fish). Para mí el principio de este disco es de lo mejor que puede escucharse.
Savatage – Streets
Trata de la vida de una estrella de rock y traficante de drogas, conocido en Nueva York como Downtown Jesus o DT Jesus, que se engancha a la heroína durante su época de estrellato y cae en la miseria y el olvido. Pasada la crisis, decide volver a tocar y recuperar su vida, pero su manager y amigo es asesinado por un traficante con el cuál DT tenía deudas. Esto le hace caer en otra grave crisis de principios, en los que se pregunta si realmente hay algo que tenga sentido en la vida y si hay verdaderamente un Dios que nos ampara. Siente la tentación de volver a la droga, pues los acontecimientos sucedidos y dichas preguntas le dejan sumido en una grave depresión. Finalmente presencia en la calle cómo un mendigo está pasando a mejor vida y acude a hacerle compañía y a decirle que no está solo. El mendigo muere y DT presencia como el alma del mendigo pide a Dios que le acepte pese haber perdido el rumbo y haberse hundido en la miseria. Al final del disco, Dios habla a DT diciéndole que nunca se rinda, que siempre estará a su lado si cree en él. En definitiva que el creer en uno mismo, en los buenos principios y la honestidad (lo que en teoría representaría Dios) es la clave para poder coger la vida por las riendas.
Iron Maiden – Seventh son of a seventh son
“Seventh Son Of A Seventh Son” es el primer disco conceptual de Iron Maiden y está basado en la novela “Seventh Son” (“El séptimo hijo”) de Orson Scott Card, la cual cuenta la historia del “séptimo hijo del séptimo hijo”, un niño con especiales habilidades y poderes sobre las fuerzas del bien y las fuerzas del mal. Se trata pues de un álbum temático que rescata la leyenda medieval del Séptimo hijo de un Séptimo hijo varón, al que se le atribuían poderes mágicos cómo la clarividencia entre otros. Cada canción relata un tramo de la vida de este personaje, desde el nacimiento (Moonchild), el descubrimiento de sus poderes y su destino (Can I Play With Madness) y su inminente muerte (Only The Good Die Young). Como curiosidad añadir que el videoclip de “Can I Play with mandes” fue dirigido por Terry Gilliam.
Trans-Siberian Orchestra – Beethoven’s Last Night
Narra una historia ficticia transcurrida en la última noche del gran Ludwig van Beethoven en este mundo… pero es mucho más que eso. 26 de Marzo del año 1827, Beethoven ha completado su obra maestra, la Décima Sinfonía (que como bien sabemos, en realidad dejó inconclusa). En ese momento aparece en su habitación el príncipe del infierno Mephistopheles, que llega para reclamar el alma de Beethoven, y le ofrece un trato: Mephistopheles le permitirá a Beethoven conservar su alma a cambio del trabajo de toda su vida, que será borrado para siempre de la memoria de toda la humanidad. Entonces el demonio ofrece al compositor una hora para meditar su ofrecimiento y se va de la habitación. Aquí Beethoven empieza a hacer un recorrido por su vida en el que podemos escuchar fragmentos de la música del compositor mezclados con la genial música del grupo.
Dream Theater – Scenes from a memory
Este disco cuenta la historia de un personaje con problemas psicológicos que asistirá a una serie de hipnosis donde descubrirá que su desorden mental esta relacionado con un asesinato que tuvo lugar en el año 1928. Nicholas va a un hipnotizador para intentar averiguar que son esos extraños sueños que tiene en los que ve como un hombre dispara a una pareja. A lo largo del disco vamos descubriendo poco a poco pequeños fragmentos de la historia hasta que al final nos enteramos de que la chica a la que matan en sus sueños está reencarnada en él, y el asesino no es otro que su hipnotizador. Todavía se me ponen los pelos de punta al escuchar el tremendo final del disco y ese “open your eyes Nicholas!“. Musicalmente, los abanderados del metal progresivo forjaron una de sus mejores obras en la que quedaría patente su deuda con Pink Floyd.
The Mars Volta - Frances The Mute
Está basado en un diario que uno de los integrantes del grupo encontró de forma accidental en la parte trasera de un coche abandonado, en el cual su autor narra la atormentada búsqueda de sus padres. Un planteamiento surrealista de por sí, que se ve acentuado por unas canciones larguísimas capaces de combinar momentos de descontrol musical con varios minutos de mero ritmo ambiental. Todo ello perfectamente bien dirigido por unos verdaderos virtuosos que demuestran, nota tras nota, que hoy en dia aún se puede inventar en este arte.
Pain of Salvation – BE
“Be” resulta desconcertante e intenso y resulta muy complicado explicarlo en unas pocas líneas. El concepto de “Be” gira alrededor de la existencia de Dios, como un ser viviente para los seres vivientes que cobra solamente sentido cuando existe vida, pero ésta siempre existirá porque Él existe; desarrollado en el contexto de la humanidad en forma de fábula apocalíptica que finaliza con la formación nuevamente de Dios de entre las ruinas del mundo. En "Vocari Dei" podemos incluso escuchar mensajes dirigidos a Dios que los fans dejaron en un contestador automático que el grupo habilitó para ello. En la discografía del grupo podemos encontrar otros trabajos igualmente recomendables como “The Perfect Element” o “Remedy Lane” que también entran por derecho propio dentro de las coordenadas específicas que les definen como álbumes conceptuales.
King Diamond – Abigail
A "Abigail" ya le dedicamos un artículo específico en nuestra sección de "Albums". Miriam Natias y Jonathan La Fey se mudan a una mansión que Jonathan acaba de heredar, pese a que son advertidos de que no lo hagan. En su primera noche Jonathan se encuentra con el fantasma de su antepasado el Conde La Fey. El conde le cuenta la historia de Abigail, una niña nacida muerta el 7 de julio del año 1777 que se ha reencarnado en Miriam. El conde La Fey empujó a su esposa por las escaleras causando su muerte y la de Abigail. Al día siguiente Jonathan piensa en hacer lo mismo que su antepasado, pero es su esposa quien lo empuja antes de que él lo haga. Miriam da a luz a Abigail pero no sobrevive al parto. Al final, siete misteriosos jinetes regresan a por Abigail. La continuación salio años después bajo el nombre de Abigail II: The Revenge .
Opeth – Still Life
Este álbum de los suecos Opeth nos cuenta la historia de un joven desterrado de su pueblo, que tras 15 años regresa para buscar a su amada (Melinda), para encontrarla convertida en monja. Aun así el protagonista trata que Melinda se marche con el lejos del lugar, pero el consejo del pueblo la asesina para que esto no ocurra. Es entonces cuando el protagonista, en un arranque de ira, ataca y mata a varios ciudadanos antes de caer y ser capturado. Finalmente, mientras aguarda a ser ahorcado, con el nudo alrededor de su cuello, siente una mano en su hombro y ve al lado suyo a Melinda, lista para unirse a él tras su muerte.
Ayreon – The Human Equation
“The human equation” es la historia de un hombre que al haber estrellado su automóvil, queda en estado de coma. y durante su convalecencia, recuerda las experiencias más importantes de su vida. En su estado volverá a recordar como en el colegio los demás niños se reían de el, como los miedos le han acompañado toda su vida o como su padre renegaba de el siempre. El momento cumbre del disco es justo al final, cuando junto a la cama del hospital donde se encuentra el protagonista, su mujer y su mejor amigo le cuentan que han tenido una relación amorosa. En este punto Razón, Orgullo, Pasión y Amor le animan a levantarse por fin y no recaer en el coma, mientras que Miedo intenta convencerle de echarse atrás, y justo en el momento cumbre, todo se queda en silencio y podemos oír: “The Human Equation program aborted. Have a nice day. Dream Sequencer system offline…”. Nunca he tenido muy claro que significa esto, pero supongo que tiene que ver con anteriores discos de Ayreon, en concreto con "The Universal Migrator" , donde se utiliza una especie de “programa” de realidad virtual para que el protagonista (único superviviente) pueda recordar las épocas que desee.
WASP – The Crimson Idol
El disco trata de la vida de un joven muchacho, Jonathan, al que ya desde pequeño nunca se le dio el cariño necesario; un chico lleno de traumas, miedos y frustraciones. Tras la muerte de su hermano, al cual veneraba incluso siendo el receptor de todo el amor que sus padres podían dar, su vida se convierte en un infierno. Sus padres apenas le hablaban y se convierte en una especie de fantasma para el mundo. Un día, decide abandonar su casa para probar suerte, coge una guitarra y tras unos años, consigue triunfar en la música. Y el mundo de las estrellas de rock y todo lo que éste lleva implícito (algo que ya hemos visto/leído en infinitas ocasiones en casi todas las bios de cualquier grupo/artista) acaba en un predecible final trágico.
Evergrey – In search of truth
La historia de este disco nos habla de extraterrestres y abducciones. Toda la historia es en plan misterioso al estilo de Expediente X, donde conspiraciones en la sombra intentan ocultar como los extraterrestres han llegado a nosotros. Además podemos comprobar los miedos del protagonista al haber regresado de su abducción y saber que cualquier día pueden regresar a por él. Todo el disco está rodeado de un ambiente muy oscuro que ayuda a meterse de lleno en las letras.
