Nuevo envío de una canción para nuestra gramola popular. Todas las peticiones de canciones pasarán por nuestra cadena cultural, y estarán en portada. Envíanos tu canción preferida, tu último descubrimiento, etc... a cualquiera de nuestros contactos y forma parte de culturaencadena.com

THE CULT: "The love removal machine"

Check this one
Fell to the red room because she was there, uh-huh-huh-huh
A scarlet woman, she got me in fear, yeah, yeah, yeah
She said, do all those things that you do to me

Una melodía metal pasada de vueltas que puede encajar perfectamente en vuestra sección de actitud rock, espero, aunque esté un poco más allá a nivel radikal... ¿Me la incluís en la sección?

Enviada por Konrad

Dentro de los conciertos que vamos organizando en el Pub Uxoa de Hondarribia
MEN OF ROCK MUSIKA ELKARTEA tiene el placer de presentar en concierto al grupo
de versiones de clásicos del rock, country, blues y folk de los años 40, 50 y 60


The Lucky Ones 

Pub Uxoa (Hondarribia)

viernes 27 / 23h
Gratis


Iñaki Estévez Muñiz
EM Producciones
Men Of Rock Musika Elkartea

https://www.myspace.com/menofrockmusikaelkartea

Tlf.:639404356

Mi Blog: Here comes The Sun ( https://elmioyeldetodos.spaces.live.com )
Myspace: https://www.myspace.com/iestevez

MEN OF ROCK Musika Elkartea organiza y presenta los conciertos de presentación del disco:

“The Shape of your Heart” (2009).

del cantautor donostiarra

PLV HAVOC

apoyarse en estos estilos para destilar una música que suene lo mas personal posible, bebiendo de los clásicos;

Hank Williams, Neil Young, Woody Guthrie, Gene Clark, Johnny Cash, Bob Dylan o Tim Buckley. No obstante,

P.L.V. HAVOC hace un esfuerzo por reciclar a los clásicos con la pretensión de aportar emotividad, libertad, una forma

de interpretar y una voz que gusta de la melodías para aportar algo personal en el panorama musical.

Pedro Gracia, después de un periplo por el extranjero, viene dispuesto a dar rienda suelta a su alter-ego P.L.V. HAVOC,

un proyecto que se materializó en sus primeras grabaciones, asi surgió "In The Nick Of Time"(2007), una maqueta de

rock acústico agreste, sencillo y con largas melodías oscuras. 

A continuación, P.L.V. HAVOC se embarcó en el proyecto de formar una banda, así surgió; HAVOC. De este proyecto

apareció "The man with no name"(2008).

Kaixo! "Euria ari du" diska berria aurkeztu nahi dizuet, moonpalace recordsekin argitaratu dut. Eskaerak hemen, Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla. . Bertzela beheko linkarekin ere dohainik jeisten al duzue. Ongizan!

Hola, presento disco nuevo con el sello moonpalace records. Para los pedidos aqui, Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla. .

En relación con la noticia anterior, os presentamos ahora el videoclip de este tema de Rammstein (que estuvieron de gira en España hace unos días) inspirado en el caso de Armin Meiwes, más conocido como "el caníbal de Rotenburgo". Lo curioso del caso no es sólo que Meiwes publicara un anuncio en Internet buscando a alguien que se dejara mutilar y comer... ¡sino que haya quien responda y acepte! Además, parece ser que no sólo respondió la víctima sino bastantes personas. Según Till Lindemann, cantante de la banda alemana, "el caso es tan depravado que resulta fascinante y tenía que haber una canción sobre ello".

Tras él paso de Depeche Mode por España, pocos conciertos de amplio alcance son ya los que vamos a asistir en lo que queda de año 2.009. Uno de ellos será el de Joaquín Sabina, al que culturaencadena.com asistirá, por amar las rimas del poeta y por la figura en sí de tan dicharachero artista.

En los últimos días Joaquín ha estado presentando su nuevo disco y gira, y en las distintas apariciones públicas, hay dos cosas que ha dicho que queremos destacar. Por un lado, la insistencia en que esta será la última gira de grandes recintos que hace, confirmando lo quemado que anda ya hace tiempo de subir al escenario. Ya le costó horrores en la anterior ocasión con "Alivio de luto" (la primera gira que hacía tras el susto del ictus, que cambió su vida), y lo repite ahora, sentenciando este tipo de conciertos de masas.

Y por otro lado, y no menos significativo, el hartazgo de cantar siempre las mismas canciones y que el público solo quiera aquellas que quiere corear. En conferencia de prensa, Sabina saludó también el "lujo" de poder cantar solo en su nueva gira, dado que el público desconoce las nuevas canciones de su disco, que incluye caricaturas, manuscritos y un libro sobre cómo se realizó.

    Para el cantante, "el público es conservador y sólo quiere escuchar lo que se sabe, que también lo habrá, pero primero se tendrá que tragar otras canciones".

Máxima agitación en el Palau Sant Jordi antes de que el grupo empezase a tocar, con todo el público entregado incluso antes de entrar al recinto. No decepcionó la respuesta de la banda, que ofreció un concierto sobrio que pasamos a comentar. Como ya sabéis, queremos hacerlo de forma objetiva, hablando de estos dos conciertos, con lo que no entraremos en comparaciones con anteriores directos, ni en las ausencias tanto de antiguos miembros como de canciones que no se tocaron. Hablamos de lo que vimos, y lo hacemos intentando abstraernos de pasiones o prejuícios, buscando siempre la máxima objetividad.

Musicalmente ya sabemos que Depeche Mode no son grandes instrumentistas desde un punto de vista técnico, pero su importancia radica en el hecho de que son una banda que ha creado un sonido único y personal, y que además ha influído en distintos géneros musicales y que hasta ahora nadie que conozca ha sido capaz de imitar con resultados tan óptimos.

La banda, sustentada desde sus inicios por una firme base de sintetizadores y teclados (dos o tres según el tema) sigue prescindiendo de instrumentos tan convencionales como el bajo, aunque con el paso del tiempo haya incorporado y otorgado cada vez más importancia a instrumentos igualmente convencionales como la guitarra eléctrica y la batería. En el concierto aquí reseñado pudimos ver a un grupo muy bien conjuntado que en ningún momento mostró irregularidad alguna, fueron ante todo y como la tónica general del mismo concierto muy correctos, no hay nada que reprochar, solamente podríamos apuntar que en conjunto se mostraron algo fríos, algo que no vemos como algo negativo, su música siempre ha tenido ese punto de frialdad, además de ir derivando cada vez a terrenos más oscuros que suelen generar ese tipo de sensaciones.

Lo curioso es que el efecto producido en el público es el contrario, pues éste disfrutó de lo lindo y se entregó al máximo durante las 2 horas que duraron ambos conciertos, y que en el de ayer sábado, tuvo un tema de regalo tras el final habitual de esta gira, el celebradísimo "Personal Jesus".

Gahan estuvo francamente bien con la voz aunque muy controlado (supongo que por precaución debido a razones de salud), y Gore nos mostró como ya es habitual su faceta de cantante, guitarrista y teclista. Como cantante cumple de sobras los requisitos necesarios para dicha labor, además de tener un buen timbre de voz que no riñe en absoluto con el de Gahan, sino que es el complemento ideal al de éste.

Su faceta de guitarrista ya es más discutible, como bien pudimos ver en los pocos momentos que apuntó como solista de dicho instrumento, pero rítmicamente su estilo descuidado (en el buen sentido de la palabra), que nos evoca muchas reminiscencias de músicas de denominación de origen claramente norteamericano como el blues o el country, erigidas además como padres del rock and roll desde tiempos muy lejanos, crea un contraste muy antagónico con la parte más moderna, electrónica y novedosa de la que siempre ha hecho gala el grupo, hecho que no deja de ser curioso porque inexplicablemente encaja a la perfección, mucho más de lo que nunca hubieramos podido imaginar.

Andrew Fletcher y Peter Gordeno (los dos teclistas fijos) quedaron totalmente eclipsados en un segundo plano y casi diría que como meros figurantes de una banda en la que quieren pasar desapercibidos; contribuyen muy poco en beneficio del aspecto más visual o dinámico del show y en cambio si mucho más en el apartado musical. El batería Christian Eigner que sustituye desde 1997 a Alan Wilder (quien se encargaba ocasionalmente de dicho instrumento) se mostró pletórico y lleno de vitalidad, manteniendo y aportando durante todo el concierto ese pulso rítmico que dota al grupo de una robustez y contundencia brillantes, sin duda alguna sintió y vivió cada golpe que daba con las baquetas.

En definitiva, dos buenos conciertos más de la banda, que dejó a todo el mundo con un buen sabor de boca, y pidiendo aquellos temas que cada uno, subjetivamente, echó de menos al término de ambas actuaciones.

De cuando había programas musicales, de cuando a los grupos no les importaba ir a programas de televisión, de otra época donde la música tenía su hueco y su importancia, al igual que un trato decente, en nuestra televisión pública. Os rescatamos el texto entero para aquellos que creen imposible que un grupo como Depeche Mode, a quien hoy dedicamos toda la portada, pasasen en diversas ocasiones por tve.

Fuente: Archivo RTVE.

Rescatamos de nuestro archivo cinco intervenciones del grupo ante las cámaras de TVE:

• Una actuación de 1986 en el programa Tocata con la canción 'A Question Of Time' del disco 'Black Celebration' y una entrevista a Dave Gahan. En esta época, el grupo había superado con creces la marcha del 'genio del techno pop' Vince Clark. La crítica vaticinó que el grupo no levantaría cabeza sin las pegajosas y brillantes melodías de sus primeros discos, pero Martin Gore se echó al grupo a la espalda y consiguió darle un a personalidad y un sonido propios, más cercano a la música siniestra-industrial que los elevó a una inédita posición privilegiada de grupo masivo y de culto a la vez. Como se puede ver en el vídeo, el grupo comenzaba a jugar con la estética sado y podemos comprobar cómo Dave Gahan ya levantaba auténticas pasiones entre sus fans.
• En 1987 grabaron dos canciones para TVE: 'Never let me down' y 'Strangelove'. Estos singles y el disco 'Music for the Mases' fueron el punto de inflexión del grupo hacia una etapa de estética oscura y hacia una mezcla de electrónica y guitarras que les consagraron como uno de los grupos más influyentes de los 90. Esta mezcla de rock y tecno quedaría aun mas patente en su siguiente disco 'Violator' que junto a este 'Music for the Masses' son considerados por los especialistas como dos obras maestras imprescindibles para entender la música pop rock actual. Esta es una actuación del grupo para TVE en 1987.

Algo ya bastante común es que los guitarristas que destacan en sus grupos por su especial virtuosismo se decidan a continuar su carrera discográfica en solitario, llegado un momento. Este parece ser el caso de Jerónimo Ramiro, conocido por haber pertenecido a formaciones como Ñu, Santa o Saratoga en los últimos años. Es precisamente en esta ultima formación donde Jero pasó a tener un nombre y ser ampliamente reconocido por sus dotes con las seis cuerdas.

En esta ocasión y algo mas de un año después de abandonar Saratoga, nos presentaba un primer álbum en solitario bajo el título de “Tenebrarium”, donde podemos ver a un Jero completamente distendido y que nos ofrece lo mejor de si mismo. Por lo general nos presenta unas composiciones muy cañeras y rápidas, donde la guitarra es la absoluta protagonista sin duda. La ausencia de voz hace que todo el peso de la interpretación caiga sobre su instrumento, y prueba de ello es por ejemplo el corte numero 11, que es una especie de balada o medio tiempo muy logrado en ese sentido.

No esperéis composiciones facilonas o recursos archiexplotados porque no los encontrareis en ningún momento. EL artista quiso explorar y retarse a si mismo, inventando mas allá de Saratoga. La principal diferencia con sus anteriores composiciones en la citada banda se pueden apreciar en el sonido final del bajo, que es un mero figurante esta vez, o que los solos y punteos ya no buscan la rapidez y la espectacularidad explosiva, sino el gusto exquisito, la armonía y la sencillez musical. Dista años luz de lo que fueron sus anteriores grupos, pero mantiene un pequeño sello de identidad a modo de guiño hacia sus fans más leales.

MIERCOLES 25 de Noviembre, de regalo

BENITT ASH Y LAS FRUTAS AMARGAS
¡¡¡¡ regresan a Barna !!!!
junto a
PLV HAVOC
y su folk americana y buen hacer como compañia inmejorable, recien aterrizado de Donosti

será en
LAS COVAS DEL SORTE
Carrer d’En Gignas, 2 ciutat vella, gotic - BCN - metro L3 drassanes, Barcelona
a las 21:00 puntuales

no os los perdais

HOMBRES SOLOS en directo

Hola a todos!!!

La historia de Luis Gago, como tantas, es la de un encuentro, pero el de Luis fue un encuentro, más que físico, un cruce inadvertido de dos mentes separadas por el tiempo y unidas por una afición. Pepe Sánchez, veterano batería y productor inagotable, curtido en mil escenarios y platós… ya por el 68 acompañaba a Barry White en una gira por Japón, ha trabajado con artistas de la categoría de Barbara Streisand o Diana Ross, con innumerables participaciones en sesiones que han pasado a formar parte de la historia de la música en España y en Estados unidos… se le puede considerar un artesano de las melodías, que aún en estos tiempos se permite el lujo de escoger sus producciones por puro placer musical y personal.

Luis Gago, compositor y cantante al que el devenir de la vida le ha llevado por muchos derroteros, tiene el alma llena de historias acumuladas pugnando por salir, hasta que ¿el azar? le llevó a conocer a su productor. Separados por una generación pero hablando el mismo lenguaje, la gestación del que sería el primer disco de Luis Gago estuvo en marcha desde su primer encuentro. Pepe Sánchez, sabio y con la serenidad que otorga la experiencia, ha enseñado y colaborado con Luis desde entonces, construyendo desde las composiciones de Luis Gago, discos crudos y sin esquinas, el espíritu de los explosivos textos y la sinceridad de su música, se transmite del acetato al oído, sin que el oyente note el filtro del productor y este es, sin duda, algo de lo que Pepe Sánchez podría presumir. Uno se da cuenta perfectamente de ello al escuchar los discos, situados entre los cantautores clásicos y las tonadas decadentes de club.

Gago resulta difícil de encasillar, sus letras huyen de la convención para buscar el disparo certero… al reclamar una reina para el rey de espadas, una chica interviú para la portada de la Biblia, más domingos sin lunes o una sala de espera para los desesperados. Se puede decir por varios motivos que son discos de los de antes, grabados como los de antes, en bobina alguno de ellos incluso, lo que suena… es lo que se ha tocado. Gago huye de la post-producción, no se ha editado ni una nota, lo que otorga más valor al hecho de que la banda suena en directo, una banda, además, formada por una media de diez músicos… que se mueven como pez en el agua  en cada uno de los diferentes estilos por los que Luis Gago deambula, rock, pop, jazz, swing, funky… hasta boleros, tangos y rancheras. En sus discos todos los temas siguen un perfecto hilo conductor, algo que hace que al escucharlos por separado se aprecie enseguida la autoría de los mismos. Son discos para escuchar con calma, en cada audición se descubre algo nuevo.

Men Of Rock Musika Elkartea tiene el placer de organizar y presentar el concierto del cantautor rock de Getxo, Daniel Merino

Será el próximo jueves día 19, a partir de las 22h, en en JazzClub ALTXERRI de Donostia

Acerca de Daniel Merino:

Ayer se celebró el primero de los conciertos de Depeche Mode en Madrid, pues hoy hay un segundo directo de la banda. La crítica más repetida en las crónicas sobre el concierto de ayer fue la corta duración del mismo, veremos si esta noche se corrige el posible error. El concierto no terminó con "Never let me down", como acostumbraban, sino reivindicando ese "Personal Jesus" que todos llevamos dentro. Dave Gahan, en plena forma.

Culturaencadena.com estará el viernes y el sábado en los dos directos que la banda ofrecerá en Barcelona, y os informaremos en nuestras contracrónicas de conciertos. Por ahora, solo podemos tener un flash-forward de ambos.

Todos los que asististeis ayer al concierto, nos podeis dejar un comentario sobre lo que os parezca más conveniente, ya sabeis que damos siempre pie a que vuestra opinión sea importante en nuestro weblog.

Os dejamos con la nota de prensa aparecida en Europa Press mientras nosotros no podemos, aún, hablar con certeza de todo ello.

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Más de 17.000 fans abarrotaron el Palacio de los Deportes de Madrid para disfrutar del directo del grupo británico Depeche Mode, que este martes dará su segundo recital en el auditorio madrileño.

Los pioneros del rock electrónico aterrizaron en España el pasado jueves 12 de noviembre con su disco 'Sounds of Universe' debajo del brazo. Tras Madrid, su gira española continuará con otras dos fechas en Barcelona.

Dave Gaham, Andy Fletcher y Martin Gore pisaron el escenario con puntualidad británica para desgranar en dos horas de concierto lo mejor de su repertorio. Tras un comienzo algo sobrio, y protagonizado por los temas de su nuevo disco, incluido el sencillo Wrong, el siempre elegante vocalista de la banda, David Gaham, comenzó a desmelenarse cuando sonó el primer gran 'hit de la noche, Walking in my shoes, a la que siguieron IT´s no good y A question of time.

A partir de entonces comenzó el festival de clásicos sólo interrumpido por el Precious del anterior trabajo Playing the Angel, con un Gaham muy animado que se metió en el bolsillo al público con temas como In your room, y I feel you, uno de los temas que más aplausos recogió, junto con la mitica Enjoy de Silence, que Gaham cantó a medias con un público muy entregado y a la que siguió Never let me down again.

Concierto con imágenes virtuales de Jimmy Page y Robert Plant, los Led Zeppelin de siempre, a quienes oiréis tocando y cantando igual que siempre, solo cambia la imagen. Un curioso concierto virtual que me ha parecido ideal incluir como artículo final para este primer día de la semana.

71 minutos de buena música, de imágenes curiosas y disponible a pantalla completa, on line.

{encadenado}

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CORREOS es una nueva propuesta en el panorama pop rock nacional, sus influencias van del punk clasico

VEREDICTO DEL JURADO PARA IN-EDIT.BEEFEATER 2009
El Jurado de la 7a edición del festival In-Edit.Beefeater formado por :

Elena Oroz es productora y guionista de documentales, así como co-directora de la revista on line especializada en documentales Blogs & Docs. Actualmente imparte tutorías de guión y realización para el Máster en Documental Creativo de la UAB.

Elisabetta Fanti es licenciada en Lengua y Literatura Extranjeras para la Università degli Studi de Milán. Desde el año 2004 ejerce como coordinadora artística del Festival de Cine de Milán.
Juan Carlos Cuello es un compositor y arreglista que trabaja realizando bandas sonoras para cine y TV. Entre sus obras se cuentan las BSO de los filmes Acción Mutante o El crimen del cine oriente y la dirección musical de Kika.

Miqui Otero es francotirador cultural, periodista, fanzinero y organizador de clubs lindos como Our Favorite Club, además de jefe de cultura del periódico ADN. Su gusto en zapatos (y filmes) es intachable

Stephania Minci es productora ejecutiva en la Music Entertainment Television para la BBC. Su departamento ha creado documentales tan aclamados como Hotel California: LA From the Byrds to the Eagles o Factory: Manchester from Joy División to Happy Mondays.

GANADOR IN-EDIT.BEEFEATER SECCIÓN OFICIAL INTERNACIONAL:

STILL BILL, DE Alex Vlack y Damani Baker.

Por ser mucho más de lo que aparenta ser. Por hacer de la sencillez una virtud y de la honestidad, una bandera. Por hacer parecer fácil lo que en realidad es difícil. Por acercarse de un modo humilde a un personaje que fue muy grande pero que ahora vive y se muestra con humildad. Por el trabajo, el esfuerzo y la pasión necesarias para perseguir y encontrar a un hombre que vivía ya escondido, por saber ponerle el foco cuando él se había apartado de las cámaras y por conseguir llegar al alma de un hombre de soul. Por apelar a las sensaciones más vitales, a la emoción y a la empatía, sin requerir un proceso intelectual para valorarlo. Por llegar al espectador de forma intensa, rápida y natural, como las canciones de su protagonista y la música pop en general. Por hablar de las sombras de una industria musical que ahora es si cabe más sombría. Por ser más universal de lo que parece: siendo un retrato para entender la fama y la industria, habla también de las decisiones basadas en la honestidad y la bondad. Por arrancar las palabras, y las lágrimas, de un hombre sabio, sin llegar a convertirlo en un sermonista. Por ser el mejor ejemplo audiovisual para ilustrar la cita clásica de "carácter es destino". Porque en la sencillez a veces está la belleza.


MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A:
Evening's Civil Twilight in Empires of Tin, de Jem Cohen.

Por su escritura ensayística que ensambla literatura, imágenes y música de forma muy personal y armónica. Por su riesgo y por ser una película que, además de constituir una experiencia cinematográfica única en el espectador, invita a pensar en el mundo contemporáneo y en las tensiones políticas que lo rigen.

GANADOR IN-EDIT.BEEFEATER SECCIÓN NACIONAL:

FEBRERO. CUANDO LA VIDA ES CARNAVAL, de Nacho Sacaluga.

Por apuntar la esencia del carnaval como nudo de confusión, intercambio y humor grueso. Por reivindicar una manifestación cultural popular y dignificarla mediante su retrato y estudio. Por la audacia de plantear una película así y por el intento de no casarse con nadie y de mostrar ese fenómeno que todos conocíamos, pero no entendíamos, desde todos los puntos de vista posibles. Por su carácter poliédrico y su esmero en ser riguroso.

Seguimos con nuestro especial dando más datos sobre cada una de las películas del Festival, las más reseñables.

Hasta ahora solo teníamos dos películas sobre el tema, el documental original del concierto, de sobras conocido, al que le faltan algunas actuaciones importantes que hay que rescatar on line por internet, y la película recién estrenada de Ang Lee, que tampoco nos deja del todo satisfechos por contar una historia demasiado particular. Culturaencadena.com cree que este es la oportunidad que, 40 años después, estábamos esperando.

Hoy estreno en IN-EDIT BEEFEATER 2009 BARCELONA.

Woodstock: Now & Then es una imprescindible excavación en Woodstock, 1969: lo que sucedió de verdad, POR FIN AL DESCUBIERTO. Muy lejos del Love and Peace, desplomando el mito del festival: a pesar de las buenas intenciones, aquello estuvo a punto de ser un desastre absoluto, y si no llega a ser por comunas como Hog Farm (que distribuyeron comida gratis, atendieron a las bajas por LSD), por los avispados que derribaron las vallas el primer día (Woodstock no pretendía ser un festival gratis) y por la general buena intención de la contracultura, la cosa hubiese terminado mal. Y es esto lo que reinstaura a Woodstock en un lugar privilegiado del buen rollo. A pesar de los pleitos, la lluvia y las pérdidas, la emocionante acción comunitaria y la espontánea hermandad lo recapitalizan como algo crucial. El filme rescata las voces de asistentes, músicos (Country Joe, Richie Havens, Graham Nash) y organizadores (los dos banqueros y los dos hippies), y junto al archivo de época -todas las actuaciones, por supuesto; aunque nunca las habíamos visto así- se consigue una obra fresca, llena de sentido del humor y esperanza. Woodstock: Now & Then es una cosa brillante y sorprendente, pues llena al espectador de un inesperado cariño por todos aquellos hippies de gran corazón. Y, a modo de actualización, el filme incluye a niños de una School of Rock revisitando hits de Woodstock. De lo mejor.

VIDEO ON LINE DEL PRINCIPIO DEL DOCUMENTAL:

www.rockdocs.vh1.com

Sábado 31 / 18:15 / Rex
Domingo 1 / 22:00 / Aribau Club 1 (*)
Lunes 2 / 18:15 / Rex
(*) Presentador por confirmar

Trimpin se le podría definir como un artista de instalaciones sonoras, un compositor o un inventor de instrumentos musicales. El director Peter Esmonde nos acerca a su figura y al especialmente interesante proceso creativo de una persona que combina música e invención de una forma única.

Es conocido actualmente por únicamente el nombre de Trimpin y ha sido llamado desde mago, hasta científico loco, incluyendo todos los calificativos posibles entre ambas definiciones. Parte del trabajo de Trimpin está en museos y colecciones, ya que son piezas artísticas sonoras, otras son instalaciones temporales, tiene también composiciones, instrumentos inventados a partir de los más diversos materiales y colaboraciones musicales con gente de otras disciplinas.

El documental nos muestra el proceso de colaboración que Trimpin mantuvo con The Kronos Quartet y culmina con el concierto conjunto que realizaron e intercala fragmentos explicando parte de su vida y proyectos anteriores. No hay duda que el trabajo de este cruce entre inventor, compositor y musicólogo es único y especial, y el director Peter Esmonde brinda la oportunidad de descubrirlo. Trimpin parece ser una persona esquiva tanto desde el punto de vista comercial (nunca ha realizado grabaciones de su trabajo con fines comerciales y nunca ha sido representado por una galería o agente) como personal. Como pieza documental este filme cumple perfectamente su función, vislumbrar una persona y mostrar su trabajo y especialmente ver el proceso creativo paso a paso junto con The Kronos Quartet, pero el resultado final se asemeja en exceso como un reportaje y le falta parte de la chispa que su figura central sí demuestra tener.

MISCELÁNEA:

- Parte de la Sección Oficial del Festival de Londres (LFF) 2009 en la sección "World Cinema".

- No existen grabaciones comerciales de la música de Trimpin.

WEB RECOMENDADA: CRITICSCINEMA.COM

Una película, ante todo, con doble intención. La obvia, retratando una época muy concreta del punk, y la no tan previsible: poner en duda la versión oficial de que Sid Vicious apuñaló a "su" Nancy.

El autor y experto en Punk, Alan G. Parker se ha dedicado a descubrir lo que realmente paso en el cuarto numero 100. Parker ha entrevistado a 182 personas, re examinado la evidencia y las entrevistas de aquel entonces con la madre de Sid, a petición de la propia madre de Vicious, quien se suicidó en 1996.

Otra muerte misteriosa en el mundo de la música, aprovechando el 30 aniversario de la muerte de Vicious, muerto el 2 de febrero del 79, dándole la vuelta a la historia del asesinato de la Spungen , sucedido 3 meses antes en octubre del 78.

La madre de Vicious, una adicta a la heroína que metió a su hijo en el mundo de las adicciones cuando se lo llevó a Ibiza a traficar, fue la que presuntamente proporcionó a Sid el caballo que sirvió para su sobredosis, una cantidad capaz de tumbar al yonki mas irredento, según diría ella años después "tan solo quería acortar su dolor". Un amor de madre muy particular, que la empujaría a hablar con Alan Parker, amigo suyo desde hacia años, para tratar de limpiar el nombre de su difunto hijo, pues tenía la certeza de que no era ningún monstruo.

El resultado es "Who killed Nancy", un documental que trata de mostrar la inocencia del icono del punk basándose en las pruebas que la policía ignoro, dado que cuando Sid murió, el caso se dio por cerrado.

WEB OFICIAL DE LA PELÍCULA: WHOKILLEDNANCY.COM

Sea un ejercicio para sacar dinero, o una especie de favor a la madre, o realmente un documental que aclare algo sobre la noche en la que se gestó el "Punk´s not dead"(parece que se han documentado) no deja de ser un tema interesante que el público deberá juzgar, sin que nosotros les demos ninguna garantía, puesto que sigue siendo un misterio, pero el documental da más datos, pone en duda la versión oficial, y solo podemos acabar recomendando que si quereis más información sobre este tema, lo mejor es dirigirse a la película del 87, "Sid y Nancy, Love kills"

Estreno hoy Viernes 30 / 20:00 / Aribau Club 1Sábado 31 / 16:00 / Aribau Club 1 Jueves 5 / 22:15 / Rex

Atendemos dos peticiones más para nuestra gramola popular, pídenos la canción que quieras y la información adicional que tú mismo o, si quieres uno de los integrantes de nuestra zona musical, quieras ponerle. Hazlo a través de nuestro contacto, y las canciones que nos pidas serán parte de nuestra cadena cultural.
Esta vino de parte de Javi Pérez, y es doble:

1-. Vídeo on line con la letra del vídeo "Sentenced to burn", de Cannibal Corpse. Nos pedía también una foto o imagen de un concierto del grupo, y aquí está también.

Hoy da comienzo el festival de cine documental musical de Barcelona, el IN-EDIT beefeater 2009, a las 21.30 horas en el Cine Aribau, con el estreno mundial de "Tiempo de leyenda", una cinta muy potente en torno a la figura de José Monje, más conocido como Camarón de la Isla, con la presencia de Tomatito, Raimundo Amador, el productor Ricardo Pachón (obsesionado durante mucho tiempo con la mezcla del flamenco y el rock), el director del documental José Sánchez Montes y el presentador de tv Bruno Sokolowicz.

En los próximos días iremos hablando de las películas más destacadas de cada jornada, y de las actividades paralelas y el resto de invitados al Festival, entre los que destacan nombres como el del legendario productor Joe Boyd (Pink Floyd), que protagonizará un nuevo speech mano a mano con Mario Pacheco, de "Nuevos Medios", o la de Vincent Moon, un visionario de los nuevos formatos de cine con un amplio alumnado y magisterio.

Tiempo de leyenda: Un documental que recuerda los 30 años de la edición del disco "La leyenda del tiempo", el disco que cambió la Historia del Flamenco, y que se grabó por culpa de unas sábanas. No podemos decir más, vayan a ver la película, que cuenta la historia de una grabación que no tuvo mucho éxito a nivel de ventas, y sigue sin tenerlo, al que la crítica le dio miles de palos (y que ahora veneran), pero que ha quedado como una de las obras más importantes del Flamenco.

No es un documental sobre la figura de Camarón, aunque tiempo hay para hablar de él también. Es un documental orientado claramente a la temática musical, como lo es este festival que proyectará, de aquí al proximo 8 de noviembre, 45 documentales musicales de los que os hablaremos, en menor o mayor medida, en los próximos días.

Felicidades a todo el equipo de In-Edit por seguir apoyando este género, y nuestro deseo de que los 330.000 euros invertidos tengan tantos beneficios como sea posible. Nosotros echaremos una mano diaria hablando de las películas seleccionadas más interesantes, aportando datos suplementarios a las informaciones que vayan saliendo en los distintos medios.

EL BUSCABOLOS AGENCIA

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Envíanos tus canciones preferidas, con comentarios o sin ellos, y serán publicados en esta sección que es vuestra. Comparte con el resto de usuarios un descubrimiento musical, una canción que te transmita algo especial, la música que te gusta...

Los fines son culturales, no permitimos dedicatorias, el unico objetivo aquí es compartir.

Tú cambias el destino de la portada de culturaencadena.com con cualquier acción que hagas en nuestra web.

Canción 1. Enviada por Olga Roca.

PATTI SMITH GROUP: EASTER (THE COLLECTIVE WORKS, 1996)

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Easter Sunday, we were walking.
Easter Sunday, we were talking.
Isabel, my little one, take my hand. Time has come.

ANGELA MURO " La voz de la pasión "

Actriz, cantante y compositora, nace en Logroño el 5 de septiembre de 1962.
Ha desarrollado su carrera profesional tanto en el café concierto, grandes escenarios, teatros, televisión, radio y estudios de grabación.
En 1981 gana el festival de la canción de Radio Eibar interpretando sus propias composiciones y pertenece a varias formaciones de jazz hasta 1986 que viaja a Alemania donde forma parte del dúo Báccara con una de sus componentes originales.
En 1988 Gana el concurso de TVE Nueva Gente, obteniendo el primer premio en la modalidad de canción ligera.
Ha sido corista de diferentes artistas: Sara Montiel, Massiel, Francisco, Amaya Uranga, Lolita etc.
Trabajó durante las dos temporadas del musical Los Miserables en el teatro Nuevo Apolo de Madrid.
Ha trabajado en los veranos de la Villa (La Corrala, Madrid), junto a Rosa Valentí y Loreto Valverde.
Interpretó diferentes zarzuelas en los teatros Calderón, Maravillas, La Corrala, Nuevo Apolo y provincias.
En 1997 Realiza la gira Española y parte de la Europea como artista invitada del grupo celta The Chieftains y Carlos Núñez, interpretado los temas grabados por Linda Rostand en el disco Santiago.
En 1998 Graba su primer disco con el sello CBS de Sony “Extraño Mineral” de la que es íntegramente autora.
Su último trabajo teatral ha sido en el musical de Angel Montesinos “Estamos en el Aire”, en el teatro Alcázar de Madrid y en gira.
Participó en el 5º Festival de Jazz de Ezcaray.
Participó como presentadora e intérprete en la gala especial de La Rioja emitida por TVE y el canal Internacional.
Mayo 2oo2, presentó sus nuevas canciones y grupo en el Café Central de Madrid.
Su último trabajo ha sido componer la banda sonora y canción original, para la película “BALA PERDIDA” protagonizada por Juanjo Puíg Corvé y David Carradine, que ha obtenido el premio a la mejor banda sonora en la Mostra de Valencia 2003.
Profesora de canto en la Escuela de Música Moderna de la Zubia, de la academia musical Aula Sur y de técnica vocal en la Escuela Superior de Comunicación de Granada, “ESCO”.

Nigel Olsson a la batería (en muy buena forma), Davey Johnstone a la guitarra (un gran profesional en todo momento muy bien avalado por un curriculum de veteranía trabajando como músico habitual al lado de un artista de la talla de Elton John), teclista, bajista, percusionista, una escenografía colorida tras la que está David LaChapelle, y coordinándolo todo, la obra y la figura del viejo Elton John. 

Porque anoche disfrutamos del Elton John más añejo, con un repertorio de 17 canciones (se hizo corto) muy basado en los primeros 5 años de los 70, varios hits de la segunda mitad de esa década, y otros tantos de los 80. Escasez de temas recientes, incluyendo los 90. En definitiva, lo que se anunciaba como un repaso a 32 años de hits, se quedó en algo menos.

Pero toda crítica sobra, y no lo decimos sólo porque nosotros no queramos entrar en la guerra de críticas especializadas (es bastante penoso que hasta el momento la mayoría de periódicos cuenten solo con una nota de EFE que debe haber sido escrita por un becario), sino porque, a pesar de los miles de matices y objeciones que se le pueden hacer al show que vimos ayer en Barcelona, cerrando la gira actual del Sir, podemos calificar todo lo que vimos y oímos de 'correcto' en su global. 

En una noche muy otoñal en la Ciudad Condal, fuimos a ver un concierto de Elton John y eso es lo tuvimos. Ni más, ni menos. No hubo más que música, bien interpretada por la voz y los instrumentos del artista y sus colegas de fatigas musicales, y eso es lo único que deberíamos demandar. Mucho se había hablado del montaje de David LaChapelle, pero lo que la gente realmente quería era escuchar sus canciones. Fue un concierto de canciones, y siempre que eso ocurre, se echan en falta algunas. Ayer no fue la excepción, pero el repertorio fue satisfactorio y agradecido por una audiencia que permanecía tan serena como lo era la actuación que teníamos delante de los ojos.

La nota de la agencia EFE y de cuyos argumentos se sirven los portales de los periódicos hoy, dice que la mayoría de gente que acudió al concierto superaba los 50 años. No estamos de acuerdo: había gente de todas las edades, aunque sí resaltaba, si lo comparamos con otros espectáculos, un perfil adulto. Pero de ahí a que todo el mundo superara el medio siglo de edad, hay un mundo.

Quizás muchos de los que asistieron fueron en otra época seguidores de los Sex Pistols, pero ayer tuvimos con nosotros un público calmado, sereno, que podía parecer frío, pero que demostró disfrutar cuando los aplausos estaban cantados y que, sin lugar a dudas, se quedó con ganas de más, si hacemos caso a la ovación y sensación final que transmitió. Hubo también agitación en momentos en que se reconocían las primeras notas de algún tema, como sucedió con "Nikita", un tema que a los responsables de este blog no nos acaba de convencer, aunque la versión oída ayer no fuera tan popera y sin sustancia como es habitual, lo cual agradecimos.

Insistimos en que cada uno de los asistentes se iría a casa con el recuerdo de las canciones interpretadas, con las que más le llegaran, con aquellas que forman incluso parte de la banda sonora de su vida, y echando de menos temas como "Crocodrile rock" o "Sacrifice", por poner dos ejemplos muy distintos. Pero tuvimos un "Rocket Man" atrevidamente alargado y variado con respecto al conocido, donde Elton se permitió una improvisación que resultó muy dinámica, con subidones y vueltas a la normalidad que agradecimos.

Lo sabíamos ya, pero quedó nuevamente demostrado que las baladas como "Sorry seems to be the hardest word" o "Candle in the wind", por citar un par de ellas, se le dan mucho mejor que los temas más rockeros. Fueron magníficas también las interpretaciones de "Guess that's what they call it the blues", "Someone Saved my life tonight", "Don't Let The Sun Go Down On Me", "Goodbye Yellow Brick Road", "Believe" o "Daniel". La archiconocida "I'm Still Standing" sonó en todo momento muy compacta.

Sin embargo, no ha estado tan acertado en la interpretación de algunas de las canciones más movidas de su repertorio, "The Bitch Is Back" sonó poco cuidada, así como también decepcionó un poco a nivel vocal sobre todo el "Saturday Night's Alright (For Fighting)", que interpretó muy por debajo de sus posibilidades, exhibidas en multitud de ocasiones anteriormente. En cambió sorprendió gratamente con una inspirada interpretación del tema de los Who "Pinball Wizard" que en su dia grabó e interpretó para la película Tommy y su banda sonora.

Vamos a contar de que van realmente las películas del Festival. Si consultamos algo acerca de las películas incluídas en el Festival In-Edit Beefeater 2009, veremos que todo el mundo, ya sea en internet o en medios de comunicación, ha copiado la breve sinopsis de la web del propio festival. Vamos a intentar, como siempre, desde hoy hasta el día que el Festival termine, dar unos cuantos datos más sobre cada película, para que podais saber mejor lo que os encontraréis en cada una de ellas, y así poder escoger vuestras favoritas.

Nuestros compañeros de la zona musical de la web irán complementando esta serie de artículos especiales sobre el Festival con otros encadenados en los que se hablará de algunos de los artistas que protagonizan las películas citadas. Además, el trailer online de cada una de ellas, y otros vídeos para ver on line y a pantalla completa.

TONITE LET´S MAKE LOVE IN LONDON: Un clasicazo de 1967, una película imprescindible para todos los amantes de la música, su Historia, y en concreto, del rock. Y si vamos a detallarlo más, lo cual es positivo también, del rock progresivo. A esta película se le atribuye, en algunos casos, el origen exacto del género musical. Otras fuentes citan a "In the courtesy of the Crimson King", el debut de King Crimson como el primer álbum de rock progresivo, mientras que otras citan la primera grabación del género en la banda sonora de esta película, Tonite Let's All Make Love In London, por Pink Floyd.

Peter Whitehead dirige este documental sobre el "Swinging London", que fue esa efervescencia cultural que vivió la ciudad de Londres durante la segunda mitad de los años 60 y que convirtió a la ciudad inglesa en la capital mundial de la cultura y la moda. Música psicodélica, arte psicodélico y mucho desenfreno cultural para una película de alta calidad, tanto cinematográfica, como cultural, como histórica. Uno de esos documentos que todo inquieto no debe perderse, y que incluye intervenciones de distintas personalidades del cine, como Michael Caine, Julie Christie, Lee Marvin, Vanessa Redgrave, de la música (como Mick Jagger), o del pop-art, como David Hockney, entre muchos otros artistas que pueden y deben mojarse sobre la época y el movimiento en observación.

La música la ponen Syd Barret, Nick Mason, Roger Waters o Richard Wright, que interpretan dos extensos temas de corte experimental: el clásico Interestellar Overdrive y un inédito, Nick¹s Boggie, que no forma parte de la discografía oficial de la banda y sólo puede escucharse en este documental que además es de difícil acceso, puesto que escasean los dvds e incluso las sinopsis en internet. Son muchos los que muchos no han visto, y difícil va a ser poder verla porque por supuesto, ninguna televisión lo emitirá.

Recuperar estos documentales en pantalla grande es uno de los grandes atractivos del Festival InEdit Beefeater, desde su primera edición, y las copias que se emiten tienen toda la calidad demandable, por eso no os tenéis que preocupar.

Único pase: Sábado 7 / 16:30 / Aribau Club 2

Sección: London's Backstage: Peter Whitehead (del que se emiten dos películas documentales más)

"MARC BOLAN: THE FINAL WORD". Seguimos en los 70, tras el anterior artículo y hablamos de esta primera película a comentar, que no es sólo el típico documental sobre la estrella de rock muerta. En una gran parte, lo es, y a los que sean fans o les guste el personaje, les gustará seguro. Pero hay muchos más detalles que comentar, e incluso resaltar, como el hecho de que la narradora sea Suzi Quatro, cantante, bajista y actriz norteamericana que obtuvo sus mayores éxitos musicales durante la edad dorada del Glam Rock, género musical del cual obtendremos nuevos datos a lo largo del metraje.

Como en todo documental que se precie, hablan personas relacionadas con el artista, y algunas otras influídas o tocadas por el halo de T-Rex. No faltan los familiares, desde su viuda a su hermano, ni los que trabajaron con él: pongamos, por ejemplo, su productor. Sobre el protagonista, algo que siempre es muy buscado en este tipo de documentos: hay muchísimas escenas de su vida, de sus conciertos, e incluso material de archivos en formato entrevista.

El descubrimiento puede que sea, para muchos, Tony Visconti, el productor de los primeros discos de T.Rex y Bowie, a quien, por supuesto, también se hace referencia. Es una persona realmente interesante, y así se rebela en este documental. Como si estuviéramos dentro de un nuevo episodio de "Classic Albums", esa mítica serie de documentales musicales sobre los álbumes más destacados de la historia, que ya hemos recomendado en este blog, sale explicando el proceso de grabación de las canciones de T.Rex y es fascinante. A cualquiera que le interese mínimamente por qué suenan los discos como suenan, le encantará ver esta parte del documental.

Culturaencadena.com estará ahí y mañana emitirá la contracrónica del concierto (que no crítica al uso), sin pelos en la lengua y huyendo de los tópicos, como de costumbre.

Dirección Palau Sant Jordi: Passeig Olimpic 5-7

28038, Barcelona, España

Puertas: 19:00 Concierto: 20:00 (Telonero: Teddy Thompson)

Elton John, hora del concierto: 21 horas.

Entradas desde 45 hasta 75 € (Todos los precios no incluyen gastos de distribución)

MYSPACE MUSIC LIVE VUELVE CON SIR ELTON JOHN Y SU ESPECTACULAR GIRA RED PIANO

La escenografía del show Red Piano está diseñada por el controvertido fotógrafo David LaChapelle.

MySpace celebra una nueva edición de MySpace Music Live nada menos que con Sir Elton John. El legendario compositor británico actuará el 20 de Octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

La gira Red Piano nace en el Caesar Palace de Las Vegas donde un millón de fans han viajado para ver uno de los 243 shows que Elton John ha celebrado en Nevada y cuya puesta en escena ha dado la vuelta al concepto del musical/concierto. El 22 de abril terminaron las actuaciones en Las Vegas y y el show de Barcelona será el último de esta gira que no ha cerrado más fechas en 2010 o 2011.

David LaChapelle, referencia imprescindible del universo pop norteamericano y amigo del compositor británico, aporta su particular interpretación de las canciones del artista creando un mundo onírico repleto de esculturas de neones multicolor, inflables y globos. Utilizando un piano rojo como punto de partida, LaChapelle desarrolla toda su imaginería ensalzando el talento indestructible de Elton John como compositor. Una sobredosis de creatividad y una delicia para los sentidos que MySpace quiere que no te pierdas.

Elton John a lo largo de sus más de 40 años de carrera musical ha vendido 250 millones de discos y ha colocado más de 50 canciones en las listas de éxitos, convirtiéndose en uno de los mejores músicos de todos los tiempos. La década de los setenta fue la de su consagración como auténtica estrella. Comenzó a actuar ataviado con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios.

Con el tiempo ha ido suavizando su look llegando a ser nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico en 1998. Ganador de innumerables premios, Sir Elton John es autor de canciones como ‘Your Song’, ‘Rocket Man’, ‘Nikita’, ‘Crocodile Rock’ o su tributo a su amiga Diana de Gales ‘Candle in the wind’, que sigue siendo el single más vendido de la historia.

Colas interminables, laberíntica fórmula para comprar entradas, servidores colgados, reventa ilegal y despiadada con el bolsillo, teléfonos que comunican, ordenadores que se cuelgan, precios desorbitados, presentar el carné de identidad, drogas campando a sus anchas, acumulación de seres humanos por todos lados, empujones, cámaras en mano que impiden ver el concierto a los de al lado (y cuyas grabaciones sirven de bien poco debido a la poca calidad de los vídeos colgados luego en youtubes y otros portales que juegan tranquilamente con lo ilegal), festivales que provocan la asistencia de personas que no saben cual es el grupo que está tocando...

¿De qué estamos hablando? De lo que debería ser una fiesta para el espíritu: asistir a un concierto.

Mientras en el Royal Albert Hall de Londres nadie te pide nada, y encima te tratan de forma privilegiada, dándote las gracias por asistir y recordándote que para cualquier cosa, ellas están ahí (esas señoras azafatas de avanzada edad que llevan ahí una vida entera), en nuestro país la cosa va de mal en peor.

No sólo eso, sino que, como siempre, nadie protesta. Nos vemos obligados a ir a un concierto de dos en dos y con el carné de identidad en la mano, por no decir en la boca, y ponérselo en la cara de un tío para que te deje entrar. ¿Qué será lo siguiente? Les mandarás una foto, y pondrán tu foto en una entrada, y encima habrá algún descerebrado que dirá:" !qué bien, aparece mi foto en una entrada de U2¡". Seguro que muchos han mirado el siguiente vídeo de U2, grabado en Barcelona, para ver si veían asomar su careto, en la interminable búsqueda de esos momentos de gloria que Warhol atribuía, con muchísima razón, al ser humano.

Si a todo esto le vamos juntando más circunstancias, como el hecho de que ya no se puede fumar en algunos conciertos, pero se puede esnifar hasta el escenario, que cada vez hay menos locales para hacer directos y que algunos de los sitios donde sí se hacen conciertos son horribles, o que ya no se puede ir tranquilo a ningún espectáculo porque la gran masa ha hecho suyo esos espacios con la única intención de "ir a algún sitio"o "de hacer algo este fin de semana", acompañados de sus drogas de distintos diseños ( léase Benicassim, por citar sólo un ejemplo), sólo podemos llegar a la conclusión de siempre.

El hombre se ha cargado otro de sus placeres, y el mundo global ha vuelto a hacer suyo algo que era muy íntimo. El espíritu y la esencia de los que aman la música ya no existe. Suma y sigue.

Culturaencadena.com, volcada con el Festival. Desde hoy mismo, lunes día 19, y hasta el próximo 29 de octubre, momento en que empieza, iremos publicando una serie de artículos dedicados al que consideramos uno de los más interesantes Festivales de Cine de nuestro territorio. Nosotros estaremos ahí, y durante el resto delaño iremos publicando las críticas de las películas vistas en este Festival y en los anteriores, cuando esta web aún no existía.

El festival: In Edit Beefeater Barcelona ofrece, en cada una de sus ediciones, una excelente selección de películas de un género emergente, de vanguardia, de futuro: el cine documental musical. Un género al que el público no está tan acostumbrado, como por poner un ejemplo, al del cine de terror que se proyecta en Sitges, y que sin embargo, puede dar tanto a los que acudan a las sesiones (o incluso más) que aquel, al que culturaencadena.com no dedicó ningún artículo, puesto que no lo necesitaba.

Género al alza: El Festival funciona con éxito desde hace 7 años, pero queremos que llegue a mucha más gente. Que te atrevas, asegurando que no te defraudará. Acudir al In-Edit Beefeater una vez es querer volver al año siguiente, y querer ver más películas de las que viste el anterior. Lo decimos por experiencia propia. Es importante tener en cuenta que este es un género al alza, y que hay muchos documentales excelentes del pasado que hay que recuperar.

Lo que queremos transmitir, de entrada: Con el género de cine documental musical ocurren algunas cosas que queremos, de entrada, desmantelar. Como siempre en esta web, buscamos que el público sea más abierto, y vamos a citar dos de los casos más típicos que se dan en ocasiones como esta, y que habría que empezar a superar:

1-. Los musiqueros: Por una parte, están aquellos que son demasiado puristas, y que solo van a ver las películas en las que se habla de los artistas o géneros musicales que más les gustan o interesan. Con ello, se pierden buen cine, buenos argumentos, y la posibilidad de conocer a otros artistas que quizás tengan una vida y obra que podría comunicarles mucho.

2-. Los (en principio) no-interesados en el cine documental musical: Aquí tenemos a todos aquellos que dicen no sentirse interesados en este tipo de cine, simplemente porque hablan de música. Aquellos que quieren una ficción como fuente de conocimiento y crecimiento personal, y no creen que un documental sobre un artista o banda musical pueda aportarles mucho. Y que caso de sentirse interesados por un documental, lo hacen por aquellos en los que se retrata o denuncia algún aspecto social.

A todos ellos: InEdit Beefeater hace siempre una selección que puede interesar a cualquiera de nosotros, incluso a los más fanáticos de un estilo musical o de unos grupos y artistas concretos. En sus películas se tocan temas de cualquier índole, y sobretodo personales y sociales, con lo cual el crecimiento personal y cultural está más que asegurado. Es más, dudamos mucho que otros festivales de cine estén tan abiertos y toquen tantos temas distintos como este, y lo más importante: es el Festival que abre más horizontes, siempre que vayas a sus proyecciones con una actitud inquieta y curiosa.

El descubrimiento es el factor clave de este festival que, como ya queda claro en estas primeras líneas, no dudamos en recomendar. A partir de cualquiera de las películas que escojas ir a ver, podrás ir tirando de un hilo interminable.

El llamado rock català, fenómeno nacido a finales de los años 80, ha vivido mucho tiempo (seguramente demasiado) a la sombra básicamente de tres grupos: Sopa de Cabra, Sau y Els Pets. La culminación de este boom fue el recordado concierto que dichas bandas (a las que se añadió Sangtraït) celebraron el 14 de junio de 1991 en el Palau Sant Jordi de Barcelona ante 22.104 espectadores (uno de los cuales fui yo, por cierto), segunda mejor entrada de la historia del recinto barcelonés, sólo superada por las más de 24.000 almas que vieron a Prince dos años después, y no igualada por artistas del calibre de Dire Straits, U2, Metallica o Bruce Springsteen. Ahí es nada.

Pero como todo lo que sube baja, a partir de ahí se produjo un estancamiento y una falta de renovación alarmantes. Al cabo de casi dos décadas, y a pesar de honrosas excepciones como por ejemplo Adrià Puntí (tanto en solitario como con Umpah-Pah), el panorama musical catalán echaba de menos con urgencia referentes que volvieran a arrastrar a las nuevas generaciones con la misma fuerza y pasión de aquellos primeros exponentes. Valga como ejemplo decir que el intento de revivir una noche similar a la del 91 apenas congregó a 7.000 espectadores el año 2006. El panorama era poco menos que desolador, con una abundante presencia de grupos sin personalidad propia que parecían calcados unos de otros, con sus ritmos rumberos, ska y reggae que hacía que todas las canciones sonaran igual.

Los geniales Antònia Font (que aunque no son catalanes sí cantan en catalán) dieron un primer e importante paso hacia el cambio con su pop agradable de letras surrealistas y galácticas, demostrando que la música cantada en catalán podía superar los esquemas establecidos e ir más allá de lo ya conocido por todos. Y por fin, el año pasado recibimos un soplo de aire fresco tan necesario como gratificante y vivificador: estoy hablando, por supuesto, de Manel.

Pasamos de la polémica habitual con este artista, 

al que aquí alabamos.

Porta sigue en su línea con su nuevo álbum 

y presenta un primer tema que intenta educar al personal más joven

acerca de lo estúpido de preocuparse tanto por las apariencias,

 y en contra de lo superficial.

Habrá quienes le adoren, habrá quienes le odien,

y seguramente las razones estarán lejos de nuestras intenciones.

Lo único que valoramos es que saque una letra como esta, 

y aunque mucho nos tememos que lo superficial seguirá reinando

en nuestra sociedad, 

si almenos el mensaje le llega a unas cuantas personas

y les hace pensar un poco mejor lo que están haciendo con su

vida, su cuerpo y su mente, ya habrá valido la pena. 

Se le podrá achacar a Porta lo que sea por parte de 

sus múltiples y envidiosos detractores, pero nadie podrá decir que

no suelta verdades en sus letras, 

verdades además importantes, 

y que su intención va mucho más allá, por ejemplo, 

de otros "artistas" como Alejandro Sanz,

que se ha unido a Alicia Keys para seguir celebrando 

y buscando un paraíso

que hoy día se antoja muy lejano

 con el montón de problemas que tenemos en nuestras vidas, 

paraíso que sólo ellos encontrarán 

vendiendo como rosquillas. 

Un nuevo "hurra"¡ por Porta y el Hip Hop. 

"Quien decide y quien le da significado a lo perfecto
si ser superficial para mi es solo otro defecto
el imperfecto ser humano
la maquina que destruira este mundo con sus propias manos".

               Tenía las ganas y las expectativas de siempre, habían pasado cuatro años desde la última vez que estuve en un concierto de Divididos y me preguntaba como iría a afectarme, muchas cosas pasaron desde aquel recital en una mínima cancha de básquet de la ciudad de Necochea, yo me cambié de continente, ellos dejaron de pertenecer a un sello multinacional y cambiaron baterista. 

Divididos quizás sea la única banda de rock popular argentino que mantiene una independencia e identidad propia, tanto musical como ideológica, que la despega del resto, (con permiso de los extintos Redondos) si bien podría considerarse el primer grupo en incorporar los típicos motivos que hoy abundan en tantos grupos consagrados como Bersuit, Los Piojos, la Renga, Callejeros, etc,  es decir, el barrio, la calle, la pertenencia a una parte de la sociedad siempre relegada a los prejuicios (“negritos cabeza”, “lo pibe”) y elementos del Folklore. Sin autopronunciarse como la banda cabecera de una sociedad marginada, Ricardo Mollo (voz y guitarra) y Diego Arnedo (bajo y coros) optaron por tocar, tocar, y tocar, se fueron a Humahuaca, a Ushuaia, recorrieron esa cosa casi abstracta llamada Argentina. 

29 de Septiembre de 2009, estamos con mi compañero de trabajo, esperando el backline de Divididos en la puerta de la sala 1 de Razzmatazz, llegan los técnicos y los equipos, mientras montamos el set advierto que mis expectativas van por buen camino, Diego Arnedo elije para amplificar su viejo y amado Fender Jazz Bass equipos Ampeg SVT, fue la primera vez que ví, luego de trabajar en muchísimos conciertos, que un bajista elija no una, sino tres de estas cajas ampeg para su amplificación, me reí, semejante salvajada de artillería era la confirmación de que Divididos sigue siendo la aplanadora del rock.

THE BELIEVER: Has hablado anteriormente de los aspectos horribles, ambientalmente hablando, de ir de gira y cómo Radiohead está tratando de encontrar más opciones sostenibles para viajar. ¿Has llegado a alguna conclusión sobre la industria de las giras que serían menos desastrosas para el medio ambiente?

THOM YORKE: Bueno, cuando comenzamos a hablar de ir de gira, justo había estado leyendo sobre la gira “Station to Station” de David Bowie. No estoy seguro si esto es totalmente cierto, pero hasta donde tengo entendido, literalmente fue de estación a estación. No se subió a un solo avión. Incluso tomó el tren trans-Siberiano.  Y lo hizo a través de los EEUU también. Así que lo primero que dije fue, un poco entre rechinando los dientes, “no quiero volar, quiero ir por tren”. Pero luego notamos que sería completamente imposible. No había forma de hacerlo. La infraestructura ya no existe. Digo, tampoco estuvo ahí en esa época, pero Bowie tampoco anduvo cargando muchos equipos. Así que no sé. Todo el asunto se convirtió en un compromiso masivo, y la naturaleza de volar, que es la situación más desastroza que podría imaginar… Bueno, la verdad, no es del todo verdad. El mayor desastre – porque hicimos este estudio – el mayor desastre era la gente yendo a vernos. Gente manejando.

BLVR: Eso tiene sentido.

TY: Tratamos de alentar el compartir autos. No sé cuán efectivo fue. Así que tratamos de tocar solo en ciudades, pero eso también tiene sus límites. Pero bueno, aún si logras ignorar el asunto de volar, todavía tienes la falta de infraestructura en transporte público, y eso tiene el mayor impacto en ir de gira. De hecho, la mayoría de estos asuntos, le das vueltas y vueltas hasta que llegas a un punto donde a menos que, digamos, Obama decida cambiar la infraestructura, es como mear al viento, especialmente en una ciudad como Los Angeles. Digo, ¿sabías que solían tener tranvías? Me enteré de eso cuando caminé hacia el centro un día. Hay malditas líneas de tranvía ahí. Y luego un amigo mío me dio un libro sobre ello.

BLVR: ¿Estás leyendo algo interesante actualmente?

TY: Sí, estoy leyendo unos cuentos de Brian Stoker. Acabo de leer “The Secret Agent”, pero no me gustó mucho. Soy un lector bastante lento. No quiero nada pesado por el momento. ¿Pero qué fue lo último que leí? “Los Laberintos” de Borges. Eso fue bastante bueno. La idea es la historia, tú sabes. Traté de leerlo hace unos años y me quedé “¿Qué carajo es esto?” y luego un tipo en el pub me lo explicó y recién ahí lo disfruté. Y luego leí ese libro sobre el transporte público en Los Angeles.

BLVR: Recuerdo cuando me di cuenta que “¿Quién engañó a Rogger Rabbitt?” se trataba realmente de la muerte del sistema de autos rojos en Los Angeles. Eso me impresionó bastante.

TY: Lo mismo pasó en Europa. La industria automovilística hizo un esfuerzo concertado para destruir el transporte público. Y los gobiernos de Occidente estaban corriendo en círculos pensando “Oh no, ¿qué vamos a hacer ahora? Bla bla bla”. Bueno, ustedes dejaron que ocurriera así que busquen una salida.

BLVR: Para futuras giras, ¿crees que se quedarán con el estilo tradicional?

TY: Por el momento, hay un límite. O simplemente podríamos no hacerlo.

BLVR: Esa no debería ser la respuesta. ¿Acaso todos los artistas que salen de gira internacional deben dejar de tocar para minimizar las emisiones?

TY: Bueno, no lo sé, porque ¿hasta qué punto se trata de algo para llenar tu propio ego? “Hey, estoy haciéndole un favor a todos aquí”. ¿En serio? ¿Estás seguro de eso? ¿O te estás haciendo un favor a tí mismo?

En esta web queremos poner nuestro grano de arena para promocionar a aquellos artistas que nos lo pidan y que puedan encajar mínimamente con nuestra filosofía de ver la cultura.

Por ello os presentamos, como primera promoción, la que nos han enviado del artista Benitt Ash y el anuncio de su próxima gira, del que podréis encontrar más detalles en su página de myspace. Personalmente lo recomiendo pese a lo poco que he podido escuchar de él.

Hemos linkado parte de su penúltimo y último álbum para que podáis escucharlo online, ya que están bajo licencia Creative Commons, lo cual es siempre de agradecer

Aquí tenéis un fragmento de su penúltimo álbum:

Un Templo De Hielo

Y otro del último, por el cual está de promoción:

Casi volver a empezar

Promotor BASH PRODUKZIONS / www.myspace.com/bashprodukzions 

Hace 24 horas se celebró, en diversos países del mundo, el cumpleaños de Michael Jackson. Ajenos a dichas celebraciones, con las que no tenemos nada en contra pero tampoco mucho a favor, nosotros seguimos recordándole con su música, su obra videográfica y repasando sus éxitos, como ya prometimos desde que supimos de su fallecimiento. No queremos entrar en rumores, y solo seguiremos su caso cuando haya notícias oficiales que puedan ser de interés real.

Aquí tenéis el videoclip más largo (37 minutos) de uno de los más grandes artistas de todos los tiempos, casi un mediometraje. Se titula "Ghosts", lo ofrecemos en 4 partes, con subtítulos en español puesto que pedimos atención al contenido e intenciones del vídeo porque, de alguna manera, fue también un vídeo visionario, que ahora coge mucha más fuerza y significado, tras todo lo acontecido con su vida y su muerte.

Pido también que os fijeis en los títulos de crédito del final, ya que os llevaréis una nueva sorpresa y podréis comprobar hasta qué punto era genial el artista.