Con este artículo le hago la contra al publicado por K.A.O., y quedais todos avisados de que podéis sacar un artículo que toque el mismo tema, película o serie que la de un compañero. La visión de todos y cada uno de los publicadores sobre un mismo tema puede ser incluída también en la cadena cultural.

No digo que la película no esté bien rodada, no digo que el los actores actúen mal, no digo nada de eso, en absoluto. Quizás fueran mis expectativas, demasiado elevadas, esperaba quizás algo más de... profundidad.
También entiendo que se trata de un libro y que, por lo tanto, lo único que hace el director es plasmar en pantalla todo cuanto se escribió. Creo que es mejor leer el libro que ver la película, el contacto con las palabras pueden doler más que su difusión.

A mi parecer, le sobran secuencias, a veces se detiene en detalles que apenas importan.
El tema que trata, bueno, me parece una buena visión del mismo, no obstante, el documental es para aquellos que jamás piensen que son simples mortales y que, algún día, te puede pasar a ti, sin más, sin explicación, sin nada.

Supongo que aquellos que se lo hayan planteado alguna vez no le habrán visto demasiado qué a la película. Otra cosa que quiero dejar clara es que no me fijo en la fotografía y en esas cosas. Es decir, que para que uno se fije en paísajes y demás, deben hacerte entrar en el rollo poético de alguna manera que, a mi modo de ver, la película no consigue.

Podríamos decir que esta película habla del abandono. De abandonar a la pareja, de intentarlo, pensarlo, sopesarlo, o de ser nosotros los abandonados. De las consecuencias de abandonar a tu propio hijo, del momento en que nos decidimos en abandonar la casa de nuestros padres, o del abandono que sufren las personas mayores. Incluso del abandono de los animales, puesto que el periplo vital de sus protagonistas empieza, precisamente, en el momento en el que ven a un perro que está siendo abandonado.

También podríamos decir que este filme habla de esos momentos clave en nuestra vida en los que debemos tomar unas decisiones demasiado difíciles de tomar. Aquellos momentos en que vemos que nuestras relaciones o profesiones no funcionan, quizás porque ya no tienen sentido. De aquel punto en el que sentimos que hay que cambiar de aires o inquietudes, para poder encontrarle sentido a lo que hacemos o con quienes nos relacionamos. De aquel momento en que la alternativa a eso no existe, o en el mejor de los casos, existe pero es casi imposible de alcanzar.

Incluso podríamos destacar que esta película traza unas interesantísimas reflexiones acerca de la soledad, de temerla y de tolerarla, incluso amarla una vez estamos acostumbrados a ella. Que crea unas situaciones muy trabajadas para plantearnos ese eterno dilema escondido que tenemos cuando vivimos con alguien, puesto que hay muchas cosas que nos molestan de la persona o personas con las que convivimos. De si somos seres sociales o realmente somos individualistas y poco tolerantes con el prójimo, el vecino y el otro.

CUANDO EN EL MUNDO APARECE UN VERDADERO GENIO, PUEDE RECONOCÉRSELE POR ESTE SIGNO: TODOS LOS NECIOS SE CONJURAN CONTRA ÉL

(Del libro "La conjura de los necios")

¿Sade fue un genio o un loco?

Sus escritos a día de hoy no son capaces de provocar al lector, ya no. El mundo, sin haber cambiado mucho desde el siglo XVIII, sigue siendo tan depravado y sucio sólo que ahora ciertas cosas se hacen públicas, se saben. La gente ya no se escandaliza. Sade no fue un genio, sencillamente por cómo se crió él entre religiosos pervertidos, se rebeló contra todo aquello que vio. No fue un genio sino un valiente que tuvo las narices de plantarle cara al sistema. Fue un Larry Flint... en todo caso, ja ja ja, Larry Flint fue un marqués de Sade moderno.

Vamos viendo cómo Sade va enloqueciendo a medida que le van retirando sus libertades. Da qué pensar y analizar haciendo un paralelismo con el mundo hoy en día. No ha cambiado nada en absoluto. ¿La mejor manera de "sanar" a un individuo es retirándole sus derechos, limitando sus libertades? Queda demostrado en el filme que es bien al contrario. El ser humano necesita expresarse libremente si ello no es dañino para otro ser humano. El problema es que, estimado Sade, "Con la iglesia hemos topado" y la cagaste pese a darle al pueblo aquello que les estaban quitando.

Estrenamos sección, que cada fin de semana dará las claves a nuestros seguidores para que sepan escoger mejor las películas que se estrenen en cartelera.

Queríamos empezar hoy con esta sección por diversos motivos, pero el principal está muy claro: hoy se estrena una de las películas más esperadas del año, y esta no es otra que la nueva entrega de los demonios, traumas y paranoyas del gran director danés Lars von Trier, uno de nuestros reconocidos gurús cinematográficos, a quien hoy dedicamos la portada al completo, en un monotema que quiere ser un detalle para agradecer todo lo que este realizador nos ha dado, que ya es mucho.

La película de la semana: "Anticristo".

Thriller de terror psicológico (importante, que se abstengan los que busquen un terror convencional), que nos devuelve al maestro von Trier a las pantallas de nuestros cines, tras dos años de ausencia, debida, en buena parte, a sus problemas psicológicos y de depresión. Este es un dato importante, y hay que situarse en la mente del creador en el momento de visionarla. Sólo así entenderemos algunos de sus pasajes, y quizás también, algunos de sus defectos. Pero estamos en mano de un genio, y aunque no esté en su momento más sereno, eso ya es una garantía. Es la película de la semana porque es la que destaca claramente entre todas y porque podrá gustar más o menos, pero es un filme que sin duda aporta y provoca algo en el dormido espectador tras un verano de sequía cinéfila.

Advertir a los espectadores susceptibles que hay escenas difíciles de digerir, y a los estrechos de mente, directamente, invitarles a que hagan una excepción y se dejen llevar. Recordar toda la polémica que acompaña tanto al filme como al director desde su exhibición en el Festival de Cannes de este mismo año, que otorgó a su protagonista femenina, Charlotte Gainsbourg ("21 gramos"), el premio a mejor actriz.

Diana (Uma Thurman) es una esposa y madre de los suburbios que comienza a cuestionarse su -aparentemente feliz- vida con ocasión del 15 aniversario de un trágico tiroteo, sucedido en el instituto donde ella estudiaba, y que le costó la vida a su mejor amiga.

Esta es una película imperfecta, pero inquietante y atractiva como un imán. No te dejará indiferente, y sin lugar a dudas, te aportará y hará pensar. La satisfacción cinematográfica puede variar tanto de una persona a la otra como lo puede hacer a nivel de contenido, argumento y reflexión. Pero hay que apostar por ella, y luego, al salir del cine, seguro tienes tema, de discusión si vas acompañado, o de reflexión interna si lo haces solo. Durante horas, y lo mejor de todo: sin haberla, seguramente, entendido. Más bien sentido.

Hay que apostar a todo o nada, sabiendo que, seguramente, perderás, como en todas las apuestas. Pero si ganas...

La interesante:

Dot.com: Coproducción Portugal-España-Brasil-Irlanda-GB

En este caso, yo creo que lo mejor es leerse la sinopsis, y a quien le interese, que vaya a verla. Las coproducciones siempre cuentan con varios defectos, pero esta es una película muy correcta que disfrutarán los que les atraigan argumentos tales como:

Pedro, un joven ingeniero de caminos de 27 años que está destinado en una pequeña aldea del norte de Portugal, espera ansioso su traslado de vuelta a Lisboa. Justo cuando está a punto de regresar, recibe una carta de una multinacional en la que le ordenan que cierre la página web que ha creado, aduciendo una infracción en el nombre del dominio. Si no lo hace inmediatamente, la compañía amenaza con ponerle una demanda por 500.000 euros. Sólo hay un problema...

Bueno, ya he visto la famosa película. Famosa por la controversia que causó, famosa por la mala fama que la precede, famosa porque narraba los últimos días de una estrella del rock como lo fue Kurt Cobain.

Entiendo perfectamente que a la masa no le haya gustado, perfectamente. Para empezar es una película que tacharán de lenta pues tiene un carácter callado, contemplativo. Observa desde cerca a los personajes. Mezcla lo que fuera, en su día, una manera innovadora de hacer cine como hizo en Elephant, aquellos cambios de ángulos y unos retrocesos para variar el punto de vista del espectador y mostrarle aquello que estaban acometiendo los personajes mientras veíamos a otros llevando a cabo otras cosas. Me parece sencillamente brillante.

No salieron satisfechos de los cines los que fueron a buscar banda sonora del grupo o incluso material inédito porque estoy convencida que muchos fans fueron a verla con el propósito de asegurarse que tenían toda la obra de Nirvana sobre la estantería. Tampoco se satisfizo el morbo de ver cómo Kurt Cobain se pegaba el tiro con la escopeta. No se ven los ensayos del grupo, ni sexo, ni violencia, ni se ve a la estrella "chutándose" nada por la vena. No hay material inédito, no está Courtney la zorra, ni la hija y apenas se ven los integrantes del grupo. Se puede entender que la gente la calificara de mierda absoluta porque no cumple las espectativas de nadie.

 Un día de furia (o "Falling down")

¿Se puede saber quién es el iluminado que traduce los títulos de las películas? Furiosa es cómo me pone semejante aberración que condiciona el visionado de una magnífica, excelente película, totalmente obligatoria.

No es que el personaje pase por un mal día, como deja presuponer el indignante título. El personaje de Michael Douglas, Bill, atraviesa una crisis que no es la de la mediana edad. No está loco, está hastiado de todas las mentiras que el sistema ha construído para engañar a la plebe y someterla a su voluntad y representación. 

Quiero pensar que llega un día en la vida de todos en el que, finalmente, abrimos los ojos y nos damos cuenta de que todo cuanto nos han contado es una inmensa mentira. Que el modelo de ciudadano perfecto y exitoso no es más que un espejismo que desaparece cuando llegamos al inevitable punto muerto. Nunca nada sale como lo habíamos querido preveer y la felicidad no radica en el matrimonio, ni en los hijos ni siquiera en la obtención de un trabajo que goza de la buena reputación social.

Toda la historia que se nos narra, empieza un caluroso día de verano, dentro de un coche. Bill se halla en medio de un atasco y de repente siente asco por todo lo que le rodea. No se sabe hacia donde se dirije pero, a juzgar por el maletín, debe de ir a trabajar como la marea de coches que conforman el atasco. Y en este punto, desde el primer segundo de metraje, el director arremete despiadadamente contra todo elemento del sistema. Puede parecer obvio, la crítica puede dar la sensación de superficial, pero cuando nos tomamos la molestia de pensarla y darle vueltas a las situaciones que nos plantea, vemos que todo es inmensamente complejo. A simple vista, es lo que parece, a vista posterior los elementos activos y pasivos de las escenas son terriblemente criticados hasta el punto en que nada ni nadie es congruente y todo es totalmente absurdo y pueril.

A quien le gusten las propuestas innovadoras en el cine de la última década, “A Scanner Darkly” es un título imprescindible. Dirigida por Richard Linklater, quien lleva a la pantalla una novela de Philip K. Dick de una forma pocas veces (o nunca) vista antes : mezclando animación y personajes reales. Es decir, los personajes de la película son reales, pero parecen dibujos animados, a modo de novela gráfica.

A parte de su originalidad, el reparto es difícilmente superable, contando con actores como Winona Ryder, Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson…

La historia es atractiva y entretenida, profundamente filosófica y a veces delirante. Alucinaciones informatizadas que parecen reales. La angustia de los efectos secundarios de una droga, contada como un cómic. Una vista al mundo futuro (y una reflexión sobre la situación social presente) relatada de una forma diferente.

El bebe de Rosemary

Datos Técnicos: Rosemary’s Baby de Roman Polanski. EE UU, 1968. Con Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon. Una nominación y un Oscar a mejor actriz secundaria (R. Gordon). 136 min.

Sinopsis: Guy Woodhouse (Cassavetes) y Rosemary, su joven esposa, se mudan a un edificio frente al Central Park en Nueva York, sobre el que un amigo les ha dicho que está maldito. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse se plantean tener un hijo y Rosemary se queda embaraza, sin embargo, lo que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado todo el cuerpo lleno de marcas. Se siente víctima de una terrible conjura en la que también está implicado su marido.

La Furia

Datos Técnicos: The Fury de Brian de Palma. EE UU, 1978. Con Kirk Douglas, John Cassavetes, Carrie Snodgress. Premio de la Academia y Ciencias Ficción a mejor maquillaje. 118 min.

Sinopsis: En el filme de Brian de Palma, Cassavetes es la encarnación del mal absoluto, un manipulador pagado por el servicio secreto contra el que Peter (Kirk Douglas) lucha en la sombra, ambos trabajan para una agencia secreta del Gobierno de Estados Unidos en programas sobre la telequinesia, los poderes psíquicos y el dominio de la mente.

La sal de la tierra

Datos Técnicos: Salt of the Earth de Herbert J. Biberman. EE UU, 1954. Con Juan Chacón, Will Geer, Rosaura Revueltas. Premio a mejor actriz (R. Revueltas) en el Festival de Karlovy Vary. 94 min.

Sinopsis: Es la única película independiente e importante realizada en pleno periodo de caza de brujas en Estados Unidos, hecha por Birberman, Michael Wilson, Paul Jarrico y Sol Kaplan, expulsados de Hollywood por subversivos. El resultado un filme poderoso e inteligente, incluso cuando parece ingenuo o anticuado. Sal de la tierra, una historia ficticia sobre mineros de cinc mexicano-americanos en Nuevo México en huelga contra la dirección estadounidense.

El Viaje

Datos Técnicos: The Trip de Roger Corman. EE UU, 1967. Con Peter Fonda, Susan Strasberg, Bruce Dern, Dennis Hopper. 85 min.

Sinopsis: Paul es director de anuncios televisivos que necesita emprender un viaje de autodescubrimiento para intentar superar la ruptura de su matrimonio. Su amigo John lleva a Paul a una fiesta para que pruebe el LSD por primera vez. “Tras algunas deliberaciones, Jim Nicholson y yo convinimos en desarrollar otro tópico: un viaje en alas del LSD. El LSD, la hierba, el hachís, la velocidad la droga dura y el movimiento hippie, el amor libre, la automarginación de un mundo y sintonización en otro formaban parte de la conciencia omnipresente de rebeldía contra el Sistema y la ley que impregnó el país en los días de Vietnam. Cada vez eran más numerosas las personas `rectas´ que renunciaban a todo para actuar a su albedrío. Yo deseaba contar su historia como una odisea de ácido” Roger Corman

INDEPENDIENTES NORTEAMERICANOS: DESDE EL MAESTRO JOHN CASSAVETES HASTA EL SIGLO XXI

Sombras

Datos Técnicos: Shadows de John Cassavetes. EE UU, 1959. Con Ben Carruthers, Lelia Goldoni, Hugh Hurd. Premio a mejor director en el Festival de Venecia. Cuatro nominaciones a los premios Bafta. 87 min.

Sinopsis: Una familia de raza negra intentando encontrar su camino en la moderna Nueva York. Lelia se siente herida cuando su novio no puede aceptar el hecho de que es negra. Benny, pasa su tiempo derrochando dinero y persiguiendo mujeres. Hugh, la figura paterna, tiene sus propios problemas, su carrera va en bajada y se ve forzado a participar en shows de cabaret. Película filmada por Cassavetes con la ayuda de sus alumnos de su escuela de interpretación y mediante financiamiento público.

Un niño espera

Datos Técnicos: A Child Is Waiting de John Cassavetes. EE UU, 1963. Con Burt Lancaster, Judy Garland, Gena Rowlands. 102 min.

Sinopsis: La tercera película de Cassavetes surgió del deseo de trabajar con Burt Lancaster y de una propuesta de Stanley Kramer. Narra la difícil relación de Jean con un grupo de niños autistas en especial con Reuben, a quien su madre se niega a verlo.

Rostros

Datos Técnicos: Face de John Cassavetes. EE UU, 1968. Con John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Seymour Cassel. Tres nominaciones al Oscar a mejor actor secundario (S. Cassel), actriz (L. Carlin) y guión. Copa Volpi a mejor actor (J. Marley) en el Festival de Venecia. 130 min.

Sinopsis: Considerada una de las más importantes películas norteamericana de los años sesenta. Faces es una cruel y conmovedora cinta que observa las escapadas adúlteras de una pareja de buena posición a medida que laceran sistemáticamente sus emociones hasta el punto de la destrucción propia y ajena.

El estreno en España se ha retrasado hasta el 18 de Septiembre de 2009.

Universal Pictures también ha facilitado la sinopsis oficial de la película:

Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine.
En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los cabrones), los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.

Y este es el trailer:

Darren Aronofsky se consagró en su primera película, "Pi", y aunque la película tenía ciertos errores de guión, hay que reconocer que impactaba en tu retina y se quedaba en tu memoria, además de ofrecernos un esforzado ejercicio fílmico. Más tarde volvería a dejarnos atónitos con su "Réquiem por un Sueño", y parece que en 2011 se atreverá con una nueva versión de "Robocop".

"El luchador" ("The Wrestler"), supone el retorno de este ambicioso realizador, que nos decepcionó con "The Fountain", y sobretodo, del gran Mickey Rourke, que de nuevo cuenta con un personaje al que entregarle sus mejores recursos, como es el de "El luchador": un luchador en la vida, como lo tenemos que ser todos los que queramos sobrevivir con cierta dignidad.

De entrada, que nadie se prejuície por el título: la película se sitúa en el mundo de la lucha profesional de wrestling, pero sólo como una excusa para contar la historia más personal con la que nos ha obsequiado este director a tener muy en cuenta.

Si bien es verdad que la película se puede recomendar a todos los públicos, más cierto es aún que quienes mejor la disfrutarán serán aquellos que ya tengan una cierta edad (de 30 para arriba), y hayan tenido que empezar a renunciar a aquello que les gustaba hacer, o a aquellas personas importantes de la vida de uno que, por una razón u otra, ya no están con nosotros. La película habla de esas renúncias, de las facturas que se cobra la vida por los excesos de cualquier tipo (también "deportivos"), y de todo lo que vamos perdiendo en el camino mientras nos hacemos mayores, ya sea por errores cometidos, o por otros motivos ajenos a nuestra voluntad. En este sentido, sólo el público adulto la disfrutará en todo su esplendor, profundidad e intenciones.

Esta película francesa, nominada a 4 Oscars en 2007 y ganadora de otros importantes premios (festival de Cannes, Globos de Oro) es una obra reflexiva y humana sobre una persona que, debido a un inesperado incidente, se queda totalmente paralizada, y su única forma de comunicación es el parpadear de su único ojo sano ( la enfermedad es conocida como el “Locked in Syndrom” -“ encerrado en sí mismo“).

Pensar sobre la situación humana.  Ver el mundo y que tu poder de comunicación resida en manos ajenas. Dependencia. Querer trasmitir sentimientos, y no poder. Impotencia. Pensar en morir, o pensar en cómo poder vivir dignamente (si es que esa posibilidad existe). Decisión. Luchar para que los queridos sufran lo menos posible, mientas luchas contra tu propio sufrimiento, y todo ello desde la más pura inmovilidad. Empatía.

Interesante, como siempre, obra de un genial Michael Haneke del que ya se ha escrito en esta Web. Si con anterioridad se habló de su ópera prima: “El Séptimo Continente”; a día de hoy toca hablar sobre su segunda obra, penúltima figura de su “trilogía sobre la violencia”, “El Vídeo de Benny”, una película que gira alrededor de la muerte...

Ahora bien, lo que escribiré a continuación está pensado para aquellos que ya hayan visto la película y puedan aportar un punto de vista a lo que han percibido del film. Quien avisa...

"We are only in it for the money", podría ser buen lema para las dos películas italianas sobre las que queremos hacer unas breves reseñas. En primer lugar, "Gomorra", la última gran sorpresa de un cine, el italiano, que andaba un poco dormido en los últimos tiempos en cuanto a propuestas realistas y de denúncia de situaciones que se dan en nuestra sociedad.

"Gomorra" nos muestra, a través de las experiencias recopiladas por Roberto Saviano y filmadas en un estilo cercano al documental por Mateo Garrone, los entresijos de un microcosmos de nuestro mundo, situado en Nápoles y Caserna, donde la lucha por la supervivencia es igual de dura o peor que en los sitios más conflictivos del mundo. No hay oportunidades para los que ahí nacen: o entras en la mafia o te mueres de hambre. Es bastante estremecedor ver la película y pensar que la mejor salida es la lucha constante por el poder, el dinero y como ya hemos dicho, por seguir vivo un día más en el planeta.

Muy pocos son los afortunados pueden llegar a pensar en una vida normal, y Saviano, autor del libro que lleva el mismo título que la película que estamos recomendando, lo consiguió. Su actitud hizo que quisiera denunciar todo lo que vió y experimentó, y ya hace tiempo que vive custodiado y que tiene que esconderse en hoteles, siempre rotativos, para que la Camorra, el sistema que denuncia el filme, no acabe también con él.

No se sientan ustedes tan lejos de este panorama. Este puede ser uno de los "handicap" de la película, porque todo esto nos puede parecer muy lejano, pero el propio Saviano, y algunos sucesos que podemos ver en el periódico, u otros de los que todos somos conscientes, deberían abrirnos los ojos y tener presente que cuando compramos algo en un establecimiento, comemos en un restaurante, o vemos a una estrella de cine en la tele, o sabemos que tenemos cerca una gran nave donde trabajan un montón de inmigrantes, en todo ello, las mafias están mezcladas.

Si algo deja claro esta película es que el único Dios para todos ellos es el dinero, algunos como auténtico vicio, otros como una forma de vida y la mayoría, como único métido de supervivencia. No es fácil de entender, no vayan con esa actitud, porque creemos que precisamente la película desea mostrar el absoluto caos de las diversas situaciones planteadas, en una maraña de tiras y aflojas cuyo único objetivo es tener un poder que desde fuera podemos ver como hipotético o relativo, pero que desde dentro puede significar la vida o la muerte. Abranse a ella todos aquellos que le cuesta entrar en las películas con la mafia de por medio: no se arrepentirán.

"Una tiene que preguntarse sobre el estado mental de un director de mediana edad que, de forma reiterada, busca material sobre la amoralidad y promiscuidad de unos adolescentes con poco que decir. (...) Puntuación: *1/2 (sobre 4)." (Claudia Puig: USA Today)

Gracias Claudia Puig!!! Con tu comentario sobre “BULLY” (otra de las creaciones de LARRY CLARK) has resumido y expresado lo que yo siento acerca de su obra.

Y es que he visto KIDS, pensando que iba a ser el “acontecimiento cinematográfico” que se decía que era, y lo siento pero NO...

Y lo mismo con WASSUP ROCKERS!! y me apostaría que lo mismo pasa con toda la obra de una persona que, haciéndoselas de reflexivo rompedor, de retratador social, terminó siendo para muchos un perturbado director pretencioso y de creaciones despreciables.

K.A.O.

Revolutionary Road es una película impresionante en la que trabajan unos actores brillantes de los cuales destaco a Kate Winslet merecedora sin lugar a dudas del Oscar a mejor actriz. No me gustaron sus aspavientos el día de la entrega, pero es inegable que está magnífica en la interpretación de la Sra. Wheeler. Quizás al director, Sam Mendes("American Beauty"), también le hubieran tenido que dar un premio.

Los Wheeler son una pareja que se conocieron en una fiesta, imagen con la que empieza esta película que se sitúa en los años 50 pero que lo que cuenta tiene una vigencia total y absoluta.  De repente, hay un salto en el tiempo y nos ubican años más tarde cuando él y ella ya son un matrimonio decrépito y marchito. No tiene porqué ser muchos años más tarde, el fenecimiento del amor llega cuando uno de los dos desconecta o antepone su vida a la del otro.

Lo que me ha gustado de la película es sobretodo la amplitud de temas que sugiere. Por ejemplo, se atisba la manera en la que se llega a la violencia doméstica, o de género, aquella que se nos hace tantas veces inexplicable. Un buen desarrollo que desemboca en una lógica escena basta para que comprendamos la facilidad con la que se puede llegar a las manos.

¿Cómo los matrimonios se desmoronan? ¿Por qué lo que empieza en enamoramiento y total y absoluta devoción termina en la mayoría de casos en aborrecimiento? ¿Por qué lo que nos atrae en un principio termina por hastiarnos hasta la saciedad? ¿Por qué nuestro mejor amigo se convierte en nuestro peor enemigo? ¿Dónde está el inevitable tropiezo?

Todo ello y mucho más es lo que pretende explicar y explorar Revolutionary Road. Una pareja que tiene una vida monótona y mediocre. Donde hubo amor hay odio, donde hubo comprensión hay desprecio y en lugar de permanecer unidos se impone la distancia y la frialdad entre dos personas que se respetaron, que se admiraron, que decidieron pasar la vida juntos y que la cotidianedad de la misma les ha ido asimilando hasta el punto de perder aquella personalidad que era la razón de ser del amor.

Una de las “alegrías” más grandes que me ha dado el cine recientemente. Uno de los thrillers psicológicos más buenos de esta década. Ámala, ódiala, admírala; pero no se le pueden negar sus aciertos y méritos, que son muchos.

Para empezar, cuenta con un reparto de tan sólo 5 actores. Una manita. Decir que en el 95% de la película sólo 2 de estos 5 ocupan la pantalla.

Otro mérito es que está filmada en solamente dos sitios diferentes: la casa de Jeff y la cafetería (y de nuevo, el 95% de la película transcurre en la casa de Jeff). Si algunos alababan a la gran “Reservoir Dogs” por utilizar pocos escenarios sin resultar una película insulsa, en esta película ese mérito es doble.

Otro dato: no hay música- las escenas de tensión se crean gracias al impacto de las imágenes (de un atractivo visual impresionante)  y a un más que estudiado diseño de sonido. Una inteligentísima puesta en escena, que hace que el interés del film no decaiga nunca. Te quedas enganchado a la trama de principio a fin, durante cada uno de sus 103 minutos de duración.

A estas alturas, no es necesario decir que "Brokeback Mountain" es aquella película en la que dos vaqueros se enamoran, porque casi todo el mundo lo sabe. Tampoco hace falta decir que se han oído muchas estupideces por parte de aquellos que aún no aceptan al prójimo sea cual sea no tan sólo su tendencia sexual, sino por su forma de ser. No es misión de esta web ni de nadie reeducarlos, así que no vamos a perder el tiempo como en la mayoría de blogs intentando educar al personal. No vamos a hacer foro de un tema que debería estar cerrado desde el mismo momento en el que apareció.

¿Tanto cuesta entender que dos personas del mismo sexo puedan tener sentimientos la una por la otra, o quieran darse un revolcón? En mi opinión, hay muy pocas personas que no lo entienden, y hay una gran mayoría que NO LO QUIERE ENTENDER. A quien le cueste, que vaya a discutir a aquellos foros que le dan la oportunidad de insultar a quien consideran inferior o prescindible por ser diferente a ellos y que se vaya de inmediato de ésta, porque seguro que no es su página. ¿De veras alguien cree que los heterosexuales somos más normales que los homosexuales? ¿¿¿De veras??? ¿Te has parado a pensar en lo estúpido y absurdo de la pregunta???

Una vez dicho esto, ya podemos hablar de una de las más grandes y conmovedoras Historias de Amor de la Historia del Cine. Sí, mucho más grande que la de la abominable "Pretty Woman", y mucho más profunda, sutil y detallada que cualquiera de las comedietas de Hollywood que algunos tienen identificados como una referencia en el amor. Así de mal van después las cosas en las relaciones entre las parejas.

El amor, en "Brokeback Mountain", es una aventura que dura toda la vida. Y aunque el protagonista sea víctima, precisamente, de todos aquellos que no deberían tener ni un 1 por ciento de poder en nuestro periplo vital, todos sabemos que en realidad, está amando. Ennis ama, pero a la vez piensa que no es normal lo que siente.

La película habla de quererse y aceptarse a uno mismo como punto de partida para luego poder querer a otras personas, no hace falta que sean muchas, sólo aquellas que tu intuición entienda como interesantes, sólo aquellas que tu corazón disfrute como esenciales. Sean del sexo que sean, de la condición social que sean, de la edad que sean (recordemos que la diferencia de edad tampoco está muy bien vista en esta sociedad, pero a la vez ¿quién coño tiene que darme a mí el visto bueno para amar a quien yo quiera?).

La clave es que nada de lo que venga del exterior debe importar en las historias de amor reales, como esta de la que hablamos, una historia de sentimientos y ternuras infinitas entre dos seres humano, en este caso, hombres. El miedo al qué dirán destruye, lentamente, a muchas parejas, aunque sean heterosexuales.

"Mi nombre es Harvey Milk" resulta ser una muy buena sugerencia histórica que viene de la mano del maestro Gus Van Sant. Es apta para todos los públicos excepto para el público homófobo aunque deberían considerarla una opción en la que verían reflejados sus "valores" y, quizás, se pondrían a pensar en su retrógada visión del mundo.

Creo que esta película trata no sólo de plasmar lo que ocurrió en la década de los 70 en EEUU en cuanto a los valores democráticos se refiere sino que, al verla, uno se cuestione la postura que adoptamos ante la homosexualidad.

Es decir, que los que tan orgullosos se proclaman a favor de los homosexuales, ¿hasta qué punto pueden soportar la visión de dos hombres pegándose el lote o una escena (muy sutil, esto hay que subrayarlo no sea caso que ahora los padres prohiban a los niños verla para que no se les pegue nada) de cama entre machos? Creo que los hombres heterosexuales, en general, serán los que hagan el comentario "qué asco". Bueno, o no, resultaría políticamente incorrecto. Las mujeres no reaccionamos de igual modo al ver a dos hombres tocarse. En fin...

 De nuevo una joya que jamás llegará al gran público pese a su calidad indiscutible. Una historia que respira aires de "Fucking Amal" de otra manera, menos tierna, menos focalizada en el sentimiento amoroso sino más agonizante y desesperada. Igualmente dolorosa...

El estar explorando el mundo y entrando en la sociedad es propio de dicha edad y precisamente sin ir de la mano de papa y mama porque, si por algo se caracteriza el adolescente, es por la sensación de auto- suficiencia.

Vemos cómo se reproduce un micro mundo en el equipo de natación sincronizada, un mundo duro en el que hay que trabajar y en el que ser bien considerado no depende de lo mucho que uno trabaje sino de la suerte que te haya tocado en la lotería del azar.
Un micro mundo tan duro como el real pues se basa en las normas del grande para confeccionar las suyas propias. Así también se crea la metáfora del mundo de la adolescencia. Un mundo que parece tener un jerga propia y, sin embargo, se rige por la regla del mundo de los adultos, el que todos conocemos. Todo se disfraza pero ahí está deformado, maquillado con palabrería desfigurada. La adolescencia es tan sólo la antesala de la vida, es el equipo de entrenamiento para salir al mundo de los adultos.
Cuanto más la analizo más lúcida me parece.

 Una ciudad entera se ha quedado sin voz. El sr. Tv, un ser malvado que se ha erigido en el dueño de las imágenes de la comunidad y de un montón de productos que llevan su sello, pone en marcha un plan para dominar y someter a todos y cada uno de sus habitantes, y para ello, nada mejor que utilizar la mejor de sus armas, una máquina hipnótica que invita y convence a todo el mundo a consumir compulsivamente todo aquello que a él le interesa.

Con este argumento se presenta y se desarrolla esta extraña rareza de nacionalidad argentina que pretende hacer una metáfora de la sociedad consumista de hoy en día. "La antena" es un film con mucha intención dirigido por Esteban Sapir y que da exactamente lo que promete: una experiencia distinta, que cada uno saboreará en mayor o menor grado, dependiendo de múltiples factores. Lo que está claro, y por ello la incluímos aquí, es que todo el mundo tendrá algo que replantearse al terminar su visionado, y que muchos abrirán los ojos, aunque solo sea por momentos, y aunque el siguiente paso que den sea, precisamente, el de volver a consumir.

La película es muda, y no estamos hablando de un clásico de principios de siglo, sino de un filme auténtico del año 2007, que a pesar de su atractiva imperfección, apuesta por un silencio que resuena ruidoso por su mensaje en la mente del espectador, sobre la influencia maligna que ejercen sobre el ciudadano determinados poderes y medios de comunicación.

El lenguaje cinematográfico es depurado. Las palabras que se pueden ver inscritas en pantalla a través de rótulos, que se utilizan de forma inteligente y original en sustitución de la expresión oral, hipnotiza al espectador y le remueve la conciencia. Se juega con el concepto del silencio en todas sus posibles acepciones, se utiliza la música con coherencia y en global, se consigue un resultado sorprendente, y que reinventa y reivindica la creación en el arte del cine.

¡Qué gran pequeña película, repleta de momentos inolvidables!

He leído por ahí criticas que reniegan de ella porque no la entienden y la tachan de aburrida. Critican el hecho de que el hombre se enamore/obsesione por una peluquera porque de joven descubrió la sexualidad con una de ellas. O simplemente opinan que no tiene sentido que se casen. No es realista, adjetivo que me produce urticaria ya por lo expandido que está. ¿tiene que ser realista una película para comunicar lo que tiene que comunicar? No es realista pero luego vamos a ver la "guerra de las galaxias" que eso sí que es realismo en estado puro. Por favor, no me toquéis la fibra nerviosa que se me calienta la boca, como hubiese dicho Rubianes...

Bien, volviendo a la obsesión por la peluquera, el ser humano siempre reacciona ante las situaciones que le rememoran las primeras experiencias porque lo que nos hacen sentir éstas nos quedan marcadas con fuego en un rincón de la mente. Posteriormente, todo lo que nos devuelva ese sentimiento, todo cuanto nos transporte a aquellos maravillosos años y nos haga sentir nostalgia, de alguna manera, nos marcará. Es quizás un poco patético, pero es así en el ser humano.

La película, sin embargo, quizás no hable tanto del patetismo de la raza humana sino de aquella intuición inexplicable a la hora de fijarse en alguien. No hablamos de amores a primera vista porque un flechazo lo puede tener cualquiera pero no es lo suficientemente fuerte como para decidir pasar el resto de la vida con alguien. Ambas opciones están abiertas, que cada cual elija, después de ver la película, la que le parezca más lógica.

De todos modos es una película luminosa y llena de vitalidad que arroja cierta luz a la condición humana pura y no la sume en el callejón sin salida al que estamos acostumbrados. Por supuesto, la peluquería es el escenario de un desfile de freaks patéticos en valor absoluto pero que el director se encarga de dotar de una gracia que podríamos no haber notado.

Michael Haneke ha ganado la Palma de Oro en Cannes, así como el premio FIPRESCI, con su nueva película, "El lazo Blanco". Nuestras más apasionadas felicitaciones para el director del que más artículos tenemos en nuestra web, puesto que siempre ha sido uno de nuestros preferidos. Todas las películas vienen explicadas y comentadas con nuestro particular estilo.

Alejandro Jodorowsky rodará en España su nueva película, que cuenta con Marilyn Manson en el elenco de actores y con David Lynch en la producción.

Lars von Trier sigue generando notícias tras su polémico paso por el Festival de Cannes con su película más misántropa y ofensiva: "Antichrist".

Desarrollamos los temas a continuación:

“La Haine”, el título original de esta película, resume en una sóla palabra sobre que va en realidad el film: el odio, un odio surgido de la impotencia, de la marginación, de la desigualdad, de la injusticia que viven grupos y clases sociales, día a día.

    por K.A.O. 

La película nos enseña una realidad preocupante, todavía existente, especialmente en Francia. El hecho de crear tres protagonistas, cada uno de ellos de una nacionalidad diferente, es un recurso del director para decirnos que no es un problema que envuelve sólo a los inmigrantes, sino que los mismos franceses también lo sufren. Además, acierta introduciendo breves historias para que reflexionemos sobre la situación actual en que se encuentra la sociedad (ejemplo del hombre que se cae de un rascacielos, y mientras va bajando se dice a sí mismo “hasta ahora todo va bien” o la historia del hombre del baño, sobre su amigo que no quería cagar cuando alguien le miraba /¿?/) o frases como “lo que importa no es la bajada, sino el aterrizaje” o “el odio genera odio”.

"Little Miss Sunshine" (Estados Unidos), Oscar al mejor guión original y al mejor actor de reparto, es una forma suave de empezar a trazar una línea cinematográfica provechosa y útil. Con un mensaje en apariencia simple y un tono muy agradable, es un film que pueden disfrutar todos los públicos, pero que cada paladar saboreará de una forma distinta. No es una película especialmente compleja pero nos deja unos mensajes muy claros,y lo hace de una forma muy sutil y digerible sin renunciar a ella misma ni caer en la moralina, la ñoñería o el sentimentalismo fácil (brillante guión, merecido Oscar).

Hemos nombrado uno de los mensajes principales de la película. No renunciar a uno mismo, hacer lo que uno quiere hacer, y no falsearnos. Es lo único que nos queda para poder ser alguien en esta vida. Y si resulta que esa manera de ser no coincide con la de la mayoría, no dejarse intimidar, no cambiar para agradar a aquellos a quien en realidad no importas ni te aceptarían tal cual eres. Al fin y al cabo, aquellos que están más adaptados a la normalidad, son unos seres patéticos y lamentables, puesto que no son nadie, sino que intentan ser lo que la sociedad espera de ellos, por lo tanto...¿qué nos importa lo que piensen?...

Sin embargo, el fantasma de querer ser aceptados nos persigue durante toda la vida. A veces lo confundimos con tener éxito,tema que plantea constantemente esta producción estadounidense. La dualidad éxito-fracaso está en liza durante los 100 minutos que dura esta historia, y sin llegar a grandes conclusiones, que los guionistas prefieren dejar en el aire, lo único que queda claro es que tener éxito no es gustarle a los demás y por lo tanto hacer y actuar como la masa espera de nosotros. Éxito nunca puede interpretarse como ser igual a todo el mundo, pero muchas veces lo pensamos.

"Little Miss Sunshine" deja también un doble mensaje tras su visionado: por un lado, negativo o pesimista. La vida te pondrá siempre obstáculos y te llevará seguro a miles de fracasos, y tanto la gente como el mundo, al igual que la vida, no valen mucho la pena. Pero también deja uno positivo: si eres tú mismo y lo llevas hasta las útlimas consecuencias, hay ciertos momentos en la vida que pueden valer realmente la pena, sobretodo si los disfrutas con los que tú consideres "los tuyos". Ser auténtico siempre te llevará a algún lado,y posiblemente en ciertos instantes puedas sentirte grande y en armonía con lo que piensas y haces en la vida. El film te anima a que lleves a cabo tus sueños, y que si no puedes llevarlos a cabo dentro del mundo real porque las normas sociales no te admiten tal cual eres, intentes llevarlos a cabo de otra manera, aunque no sea la que te lleve al éxito social o económico, pero no renuncies y realízate. Así, aunque finalmente fracases, el camino ya lo habrás disfrutado. El perdedor no es el que no gana, sino el que lucha por ganar.

Una de las escenas que más me han conmovido de la película dirigida por David Lynch es esta. En general ha sido una película que me ha conmovido como nunca antes otra, y de la que destaco la maestría del director en una película que no es de su estilo, y la interpretación de Anthony Hopkins, que me encanta. El maltrato dispensado por la sociedad a los seres distintos, no tan sólo física sino que también psiquicamente. Esta escena da para mucho yo tan sólo desearía comentar ciertos detalles.

Curiosidad, miedo, rechazo, belleza, humanidad, bondad, pero sobretodo dolor provocado por la crueldad humana. Todos habremos vivido una situación similar en algún momento de nuestra vida: ser apartados por ser diferentes, ser marginados por tener una peculiaridad en nuestro físico, ser el hazmereír por algo que AHORA sabemos que no era importante ni tenía por qué amargarnos la existencia...

Disfrutad de la escena tanto como yo he disfrutado la película y os animo a que la veáis. Un 10.

Ved cómo lo distinto despierta la curiosidad del ser humano más primario, los niños. Imagino que no es casualidad que un crío se acerque a él pues los niños son seres crueles que no entienden de normas sociales. Claro que todos los que viajan en el tren se fijan en su enorme cabeza pero nadie osa preguntar, sólo un niño puede permitírselo. Un pequeño holgazán, que no sin razón, es retratado apuntando a la gente con una cervatana. Todo en él denota una falta clara de conciencia social, su actividad, la forma de interpelar al individuo en cuestión, la directa pregunta indiscreta, la risa burlona y desagradable, la impaciencia, etc.